MISTRESS AMERICA: when art imitates life

A creative relationship can be very prolific. It has happened several times that sentimental partners can also derive in professional collaborations. Among the most known ones are Woody Allen with Diane Keaton in Annie Hall and long-time partnership (on and off-screen) of Tim Burton and Helena Bonham Carter. The latest dynamic duo are director Noah Baumbach and actress / filmmaker Greta Gerwig.

Mistress America (2015) is about the unlikely friendship of Tracy (Lola Kirke), a shy 19-year-old college student, and Brooke (Greta Gerwig), an adventurous Times Square resident. Tracy is rescued from disappointment and seduced by Brooke’s crazy schemes, who is her soon-to-be stepsister. Noah Baumbach directs and co-writes the screenplay with Gerwig. The audience goes on a journey with these two kindred spirits. Gerwig’s Brooke is the lost sister we all wish we had, an outgoing partner-in-crime.

You can see it has similarities with the first one, Frances Ha (2013) just when you read both synopsis. Female driven plots about relationships and crisis, taking place in NYC. Mistress America had to take place in the most romanticized cities of all. The big apple is the safe haven for indie cinema, where the most purists take shelter for the industry that Los Angeles has become. Tracy’s fascination with Brooke mirrors our own as an audience with Greta Gerwig. The thespian is a triple-threat; comedienne, writer and director. Her niche is independent filmmaking, where her talents truly shine. Baumbach has managed to milk the best in her.

Noah Baumbach’s credits include co-writing The Life Aquatic with Steve Zissou (2004) and Fantastic Mr. Fox (2009) with Wes Anderson, and directing The Squid and the Whale (2005), Frances Ha (2013) and While We’re Young (2014). Baumbach clearly has a proclivity for out of the box cinema.

Mistress America is quality filmmaking with a low budget. The core is a good story with little shooting time, promotion and revenue. The length is just right, never boring or too long, always following the recommendations for a good script. It’s an indie film par excellence. The satire is an ever-present element, where the actors are mocking their own characters. The film keeps you on the verge of both laughter and tears, being a roller-coaster. Some situations here are just too outrageous to happen in real life, others, the outcome is what we wished life was. It is very entertaining and appealing. It deals with universal conflicts, coming-of-age and finding your way as a young adult.

Cinephiles are hoping that Baumbach and Gerwig will stay together to create more good storytelling. It’s sad that previous creative collaborations have ended due to personal conflicts, like Keaton-Allen and Bonham Carter-Burton. The former only produced a single masterpiece, the latter gave us Big Fish, Corpse Bride, Charlie and the Chocolate Factory, Sweeney Todd, and Alice in Wonderland, to name a few.

Mistress America is right long the lines of memorable comedies like Annie Hall, and the rapport that Bonham Carter and Burton had, Baumbach and Gerwig deserve 5/5.

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Una relación creativa puede ser muy prolífica. Ha pasado que las parejas sentimentales se convierten en colaboraciones profesionales. Entre las más conocidas está Woody Allen con Diane Keaton en Dos extraños amantes y la asociación duradera (dentro y fuera de la pantalla) de Tim Burton y Helena Bonham Carter. El dúo dinámico más reciente es el director Noah Baumbach y la actriz y cineasta Greta Gerwig.

Mistress America (2015) es sobre la amistad poco probable de Tracy (Lola Kirke), una tímida estudiante universitaria de 19 años, y Brooke (Greta Gerwig), una aventurera residente de Times Square. Tracy es rescata de la decepción y seducida por los locos planes de Brooke, quien pronto será su hermanastra. Noah Baumbach dirige y co-escribe el guion con Gerwig. La audiencia se suma al viaje de estos dos espíritus afines. La Brooke de Gerwig es la hermana perdida que todos quisieramos tener, una la compañera de tremenduras extrovertida.

Se pueden ver las similitudes con la primera colaboración de este par, Frances Ha (2013) sólo con leer mabas sinopsis. Son tramas con personajes femeninos sobre relaciones y crisis que se desenvuelven en Nueva York. Mistress America tenía que ser en la ciudad más romantizada de todas. La gran manzana es el refugio del cine independiente, donde lo más puritanos huyen de la industria en que se ha convertido Los Ángeles. La frascinación de Tracy con Brooke es un espejismo de lo que sentimos como espectadores hacia Greta Gerwig. La actriz es una triple amenaza; comediante, escritora y directora. Su nicho es el cine indie, donde sus talentos pueden brillar. Baumbach ha sacado lo mejor en ella.

Los créditos de Noah Baumbach incluyen co-escritor de La vida acuática con Steve Zissou (2004) y El fantástico Sr. Fox (2009) junto a Wes Anderson, además de dirigir Historias de familia (2005), Frances Ha (2013) y Mientras somos jóvenes (2014). Baumbach tiene una clara predilección por hacer cine fuera de la caja.

Mistress America es una película de calidad a pesar de su bajo presupuesto. El corazón es la buena historia, con un tiempo de rodaje corto, poca promoción y ganancia. La duración es adecuada, sin aburrir ni extenderse; sigue las recomendaciones de un buen guion. Es cine independiente por excelencia. La sátira está presente en todo momento, donde los actores se burlan de sus propios personajes. El largo te mantiene al borde de la risa y lágrimas, como una montaña rusa. Algunas situaciones son demasiado descabelladas para la vida real, otras tienen lo que nos gustaría que hubiera pasado. Es entretenida y llamativa, cubre conflictos universales, crecer y encontrar tu lugar como un joven adulto.

Los cinéfilos están ligando que Baumbach y Gerwig se mantengan juntos para crear más piezas de calidad. Es triste que colaboraciones creativas anteriores hayan terminado por problemas personales, como Keaton-Allen y Bonham Carter-Burton. La primera pareja generó una única gran obra maestra, la segunda produjo El gran pez, Cadáver de la novia, Charlie y la fábrica de chocolates, Sweeney Todd, y Alicia en el país de las maravillas, por nombrar algunas.

Mistress America tiene los parámetros de comedia memorables como Annie Hall, y la compenetración que tenían Bonham Carter y Burton, Baumbach y Gerwig se merecen un 5/5.

Vivian Russo

 

Infinitely Polar Bear: when serious is funny

Illnesses can be tricky to portray. Two usual ways is through pity or sympathy. In the first one is through the struggles of a certain character to feel for their disability. The second way tells the story of a person who happens to be limited somehow. It covers usual problems in life, highlighting his inherent humanity. The first type of storytelling is heartbreaking for the audience, while the second one is uplifting. Both kinds have its merits, Infinitely Polar Bear is a life’s portrait, with a mental condition on the background. It makes things harder for the character to thrive, but not impossible.

Infinitely Polar Bear is about a father who tries to win back his wife by taking care of their outspoken daughters. His struggles include suffering from bipolar disorder, and the mother leaving the city to get a Master’s to improve their living. Mark Ruffalo plays the main role as Cam Stuart, Zoe Zaldana stars as his wife, Maggie Stuart, and Imogene Wolodarsky and Ashley Aufderheide play their two young girls, Amelia and Faith.

When hearing the plot one might think it’s a depressing movie, but it’s actually the opposite. Maya Forbes, the writer/director behind it, manages to deliver a sensitive message, with humanity above all. Forbes had inspiration from her own life, adapting childhood experiences. She and her sister grew up with a bipolar father. Forbes managed to make it relatable every step of the way. Each event was more outrageous than the last, never being completely far-fetched. The irony will make you burst with laughter more than once. Comedy is the catharsis to deal with this family’s peculiar situation.

No matter how mentally unstable Cam could’ve been, he never stopped being a good father. He managed to always be better even within his disability’s limits. This is very endearing, it makes the character seem real. The story builds him in an archetypal way, where there’s a thin line between flaw and virtue and weaknesses make us stronger. Ruffalo pulled of the part perfectly, bringing extra charm to what could’ve been extra gloomy. Without drawing too much attention, Mark Ruffalo has amassed an eclectic set of roles. From our favorite super hero, to the good guy next door, a gay man and a full-time dad with a loose screw. It’s time he gets some well-deserved recognition. The ‘rolling on the floor laughing’ is delivered through deadpan moments.

The actresses who play the daughters are precocious. For young children they’re very self-contained and transmit just the right amount of emotion. There was extra wit on their behalf, due to natural charisma. Imogene, who plays the older daughter is actually Maya Forbes’ child. This relationship proved to be extra helpful, since the director was able to push all the right buttons. Some hilarious one-liners are said by these precious children, who are forced to grow because of their circumstances. The entire cast clicks, making it a unified movie.

When you add up a fresh vision from an up and coming filmmaker, to a fitting puzzle of a cast, there’s a perfect storm. Infinitely Polar Bear has all the qualities to transcend to next year’s Awards Season. Hopefully people will see it in spite of the little promotion behind it.

This is an independent movie that is easy to digest. It’s not too hipster as if intended for a specific audience. Distributed by Sony Pictures Classics, this piece adds color to the canvas. This studio is most commonly associated Woody Allen’s films; last year it released successes like Whiplash and Still Alice. I hope that it’s not so much of a dark horse that the recognition reaches only certain departments. One of the highlights is Mark Ruffalo’s funny and touching performance.

Infinitely Polar Bear is the underdog in this year’s new releases, one worthy of accolades. It raises the bar from last year’s standard for indie movies with 5/5.

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Las enfermedades pueden ser engañosas de retratar. Dos de las formas comunes son lástima o empatía; la primera es a través de la lucha de cierto personaje para compadecerse de su discapacidad, en la segunda se cuenta la vida de una persona que casualmente tiene una limitación, abarca los problemas comunes y resalta su humanidad innata. La primera forma de contar la historia es desgarradaro, mientras que la segunda levanta el ánimo. Ambas tienen su mérito, pero Infinitely Polar Bear cuenta como el retrato de una vida, con su condición mental de fondo, lo que le hace más difícil prosperar, mas no imposible.

Infinitely Polar Bear es sobre un padre que trata de ganar el cariño de su esposa nuevamente al cuidar se sus extrovertidas hijas. Padecer bipolaridad dificulta la situación, así como que la madre se va de la ciudad para obtener su Maestría y conseguir un mejor trabajo. Mark Ruffalo interpreta a Cam Stuart, Zoe Zaldana es su esposa, Maggie Stuart, y Imogene Wolodarsky y Ashley Aufderheide hacen de sus dos hijas, Amelia y Faith.

Al escuchar la trama, puedes pensar que la película es deprimente, pero es lo contrario. Maya Forbes, la directora/guionista, se las ingenia para transmitir un mensaje sensible, con humanidad por encima de todas las cosas. Forbes se inspiró en su propia vida, adaptando experiencias de su infancia. Ella y su hermana crecieron con un padre bipolar. Forbes se las ingenió para hacerla relacionable en todo momento. Cada evento era más descabellado que el anterior, sin llegar al extemo de lo inverosímil. La ironía te hará irrumpir en risas más de una vez. La comedia es la catársis para lidiar con la situación de esta familia.

Sin importar la inestabilidad mental de Cam, siempre se mantuvo como un buen padre. Se las ingenió para seguir mejorando siempre, incluso dentro de los límites de su discapacidad. Esto lo hace entrañable, haciendo al personaje parecer real. La historia lo construye como un arquetipo, donde hay una delgada línea entre defecto y virtud, y las debilidades nos hacen más fuertes. Ruffalo atinó en su interpretación, aportando extra encanto a lo que pudo ser muy melancólico. Sin atraer demasiada atención, Mark Ruffalo ha amasado un conjunto muy peculiar de papeles. Desde nuestro héroe favorito, hasta el chico bueno del vecindario, un hombre homosexual y un padre a tiempo completo que le falta un tornillo. Es tiempo que le den el reconocimiento que se merece. Las carcajadas fueron gracias a los momentos con las caras más serias.

Las actrices que dan vida a las hijas son precoces. Para ser jóvenes, tiene mucho auto control y transmiten la cantidad adecuada de emoción. Hubo muchas ocurrencias de su parte, gracias a carisma natural. Imogene, la hija mayor, es la hija de Maya Forbes en realidad. Esta relación lo hizo más fácil, ya que la directora supo qué teclas tocar oportunamente. De los chistes más importantes de la película, una buena parte funciona gracias a las niñas, que son forzadas a crecer por sus circunstancias. El elenco encaja perfectamente, unificando la película.

Cuando sumas una visión fresca de una cineasta emergente, con un rompecabezas de elenco, se genera la tormenta perfecta. Infinitely Polar Bear tiene todas las cualidades para trascender a la temporada de premiaciones del año que viene. Esperemos que la gente la vea a pesar de la poca promoción detrás.

Es una película independiente que es fácil de digerir. No es demasiado hipster como para estar destinada a una audiencia específica. Es distribuida por Sony Pictures Classics, añadiendo color a su lienzo. Este estudio es conocido por su trabajo con Woody Allen. El año pasado esta vertiente de Sony lanzó éxitos como Whiplash y Still Alice. Espero no sea demasiado subestimada como para que el reconocimiento llegue sólo a ciertos departamentos. Una de las mejores cosas es la interpretación de Mark Ruffalo, cómica y conmovedora.

Infinitely Polar Bear es el marginado en las películas recientes, una que merece premios. Alcanza el nivel impuesto el año pasado con el cine indie con 5/5.

Vivian Russo

Night at the Museum: Secret of the Tomb: amusement for the whole family

Night At The Museum is one of those franchises that has been squeezed to the maximum commercial level. It’s what Hollywood lives for, and the theaters are full of them. They provide laughter to all ages, but only time will tell if it can last in people’s memory. This installment had extra appeal because of Robin Williams’ early passing.

The closure of the franchise is about Larry Daley (Ben Stiller), who is the long-time nightguard of the Museum of Natural History in New York City. This adventure leads him to London, where he meets new characters, including the female guard Tilly (Rebel Wilson), Sir Lancelot (Dan Stevens) and a funny new neardenhtal Laa, who also happens to be Ben Stiller. Rounding up the cast are familiar faces, President Teddy Roosevelt (Robin Williams), Jedediah the cowboy (Owen Wilson), the Roman Octavius (Steve Coogan), the pharaoh Akmenrah (Rami Malek), Attila de Hun (Patrick Gallagher), the curator Dr. McPhee (Ricky Gervais), the Indian-American Sacagawea (Mizuo Peck) and the old night guard Cecil Fredericks (Dick Van Dyke).

Night at the Museum is full of nostalgia. From famous actors that have since passed away, not only Williams but also Mickey Rooney, to discovering an appropiate conclusion to the trilogy. The end is a controversial topic, as usual. A longing for past times can also be sensed, evidenced in historical figures struggling to accept the fact that they’re just wax figures. It is reminiscent of Woody Allen’s point of view regarding Europe in films like Midnight in Paris and To Rome With Love. With all that said, it’s no surprise that the setting is New York City.

Ben Stiller is famous as a comedic actor, this trilogy is one of his finest works, besides the Fockers one. Like in most cases, the first Night at the Museum was the best one; the other two consist of extending old jokes and playing by the excitement in new characters. It won’t be a film for generations to come, but fullfils the purpose of entertaining the whole family.

The first one was 4.5/5, the second one, Battle of the Smithsonian, 4/5, Secret of the Tomb is 3.5/5.

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Una noche en el museo es una de esas franquicias que se ha exprimido al máximo nivel comercial. Brindan risas para todas las edades, sólo el tiempo puede indicar si perdurarán en la memoria de la gente. Esta entrega tenía el interés agregado por la temprana muerte de Robin Williams.

El cierre de la franquicia es sobre Larry Daley (Ben Stiller), el veterano guardia nocturno del museo de Historia Natural en Nueva York. Esta aventura lo lleva a Londres, donde conoce nuevos personajes, incluyendo la guardia londinense Tilly (Rebel Wilson), Sir Lancelot (Dan Stevens) y el gracioso nuevo neardental Laa, que también interpreta Stiller. Completando el elenco están caras conocidas, el Presidente Teddy Roosevelt (Robin Williams), Jedediah el vaquero (Owen Wilson), Octavio el romano (Steve Coogan), el faraón Akmenrah (Rami Malek), Attila el huno (Patrick Gallagher), el curador Dr. McPhee (Ricky Gervais), la indígena Sacagawea (Mizuo Peck) y el viejo vigilante nocturno, Cecil Fredericks (Dick Van Dyke).

Una noche en el museo está llena de nostalgia. Desde actores famosos que fallecieron recientemente, además de Williams, Mickey Rooney; hasta descubrir un final apropiado para la trilogía. Se siente una añoranza de épocas pasadas, evidenciado en figuras históricas que luchan por aceptar el hecho que son figuras de cera en un museo. Se asemeja a la visión de Woody Allen sobre Europa en Medianoche en París y Para Roma con Amor. Con todo eso dicho, no sorprende que esta película tome lugar en Nueva York.

Ben Stiller es famoso como actor cómico, siendo esta trilogía de sus mejores interpretaciones, junto a la de los Fockers. Como en la mayoría de los casos, la primera Una noche en el museo fue la mejor; las otras dos alargan la gracia de bromas viejas y juegan con la emoción de personajes nuevos. No será una película para las generaciones por venir, pero cumple con el propósito de entrener a toda la familia.

La primera fue 4.5/5, la segunda, Batalla del Smithsonian, 4/5, y el Secreto de la tumba es 3.5/5.

Vivian Russo

X-Men: Days of Future Past: an all-inclusive sequel

Since the early 2000s Hollywood’s been making X-Men movies, starting with the three main ones, from the Wolverine universe and the epic prequel First Class. Days of Future Past is as good of a movie as any other, don’t let the genre fool you. Even though people usually label action flicks as shallow, this one is anything but. The best film of the X-Men universe is First Class, but Days of Future Past is very close.

Days of Future Past is the sequel to X-Men: The Last Stand (2006) and X-Men: First Class (2011), as it combines both times. It starts in a dystopic future where Sentinels, specially designed robots, have destroyed earth with the excuse of mutant treat. The few that remain are resisting as much as they can, until Professor X (Patrick Stewart) and Magneto (Ian McKellan) decide to send Wolverine (Hugh Jackman) back to 1973, where something key happened that must be fixed. In the past, Logan must reunite old friends and current enemies, Charles Xavier (James McAvoy) and Erik Lensherr (Michael Fassbender). Along the way we meet familiar faces, like Mystique (Jennifer Lawrence) and new ones like Dr. Bolivar Trask (Peter Dinklage).

The complexity of the characters are one of the reasons why this saga is successful, both with the fandom and box office. Professor X exemplifies good and hope, while Magneto is the antagonist but much more complex to just label him as the bad guy. Mystique is right in between those two. The chemistry between the actors in something crucial as well, both Fassbender & McAvoy and Stewart & McKellan have it.

I’m glad that Bryan Singer returned to the universe he helped create in the first place, the quality is much better than the first three films because it has First Class right before it.

First Class was another level of epicness, the friendship between the main characters and the genesis of the whole comic was incredibly done, with a marvelous script. It had a litte for everyone, action, drama and political elements. That’s the one that’s likely to draw a different kind of audience to this franchise. It was love at first sight for me. I think it will remain the best one for a while. It was very nice to see the same actors back and that the new ones mixed well with Jackman.

The entire cast is beyond mind-blowing. It includes multiple races, origins and powers; lots of diversity with people like Dinklage from Game of Thrones, Academy-Award-winners Lawrence and Berry and the versatile Jackman. Congratulations to Bryan Singer for assembling a remarkable group of people. I would appreciate if the Academy recognized this kind of work more often, not just with Lord of The Rings once every blue moon. Woody Allen and Quentin Tarantino are not the only ones worthy to be nominated.

Needless to say, the script was on-point to complete a round movie. The only downside is that it won’t be as enjoyable if you haven’t seen the rest of the films. My criticism is a blurry end, where there’s not a lot of conclusion. But, the filmmakers are businessmen after all and they leave you longing for more so you’ll wait another couple of years for the latest installment. The time-travel issue is handled correctly, confusing the audience as little as possible.

If First Class 5/5 mastered the retro and political element perfectly, Days of Future past is a solid 4.5/5.

 

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Desde principios de los 2000, Hollywood ha estado haciendo películas de X-Men, comenzando con las tres principales, las del universo de Wolverine y la épica Primera Generación. Días del Futuro Pasado es tan buena película como cualquier otra, no dejen que el género los engañe. A pesar que la gente etiqueta a las películas de acción como superficiales, ésta es cualquier cosa menos eso. La mejor de este universo es Primera Generación, pero ésta está bastante cerca.

Días del Futuro Pasado es la secuela a La Última Batalla (2006) y Primera Generación (2011), combinando ambos tiempos. Empieza en un futuro distópico donde los Centinelas, robots especialmente diseñados, destruyeron la tierra bajo la excusa de una amenaza mutante. Los pocos que quedan tratan de resistir lo máximo posible, hasta que Profesor X (Patrick Stewart) y Magneto (Ian McKellan) deciden mandar a Wolverine (Hugh Jackman) a 1973 para que arregle un hecho clave. En el pasado, Logan debe unir nuevamente a los viejos amigos y ahora enemigos Charles Xavier (James McAvoy) y Erik Lensherr (Michael Fassbender). En el camino nos tropezamos con caras conocidas como Mystique (Jennifer Lawrence) y nuevas como el Dr. Bolivar Trask (Peter Dinklage).

La complejidad de los personajes es una de las razones por las que la saga es exitosa, tanto con los fanáticos como en la taquilla. El profesor ejemplifica el bien y la esperanza, mientras que Magneto es un antagonista demasiado complejo como para catalogarlo como malo. Mystique está en el medio de ellos. La química de los actores es muy importante y ambas parejas de actores la tienen, los jóvenes y los mayores.

Estoy contenta que Bryan Singer regresó al universo que él mismo creó. La calidad de está película es superior a las tres primeras porque Primera Generación está justo en el medio.

Primera Generación fue épica en otro nivel, la amistad de los personajes principal y la génesis del cómic estuvo muy bien hecha, con un libreto maravilloso. Tenía un poco para todos los gustos, drama, acción y tintes políticos. Esa es la más probable que atraiga a un público diferente. Para mí fue amor a primera vista. Creo que se mantendrá como la mejor por un tiempo. Es agradable ver a los viejos actores de vuelta y que los nuevos congenian bien con Jackman.

El elenco es fantástico. Incluye diferentes razas, orígenes y hasta poderes. Mucha diversidad con Dinklage de Game of Thrones, las ganadoras de la Academia Lawrence y Berry y el versátil Jackman. Felicidades a Singer por haber reunido a un grupo tan peculiarmente talentoso. Apreciaría mucho que la Academia reconociera más a menudo este tipo de películas, no una vez cada eclipse solar con El Señor de los Anillos. Woody Allen y Quentin Tarantino no son los único que merecen estar nominados por la codiciada estatuilla.

Sobra decir que el guion estaba muy bien orientado para completar una película redonda. Lo malo es que no disfrutarán tanto si no han visto las películas anteriores. Mi crítica es un final inconcluso, donde las líneas se desdibujan. Pero los cineastas son empresarios después de todo y deben dejarte con ganas de más para que aguantes otro par de años y veas la siguiente entrega. La cuestión del viaje en el tiempo se hizo correctamente, manteniendo el nivel de confusión al mínimo necesario.

Si Primera Generación dominó perfectamente el elemento de época con la política, Días del Futuro Pasado es un sólido 4.5/5.

Vivian Russo

“A film is – or should be – more like music than like fiction. It should be a progression of moods and feelings. The theme, what’s behind the emotion, the meaning, all that comes later.”

Stanley Kubrick

Blue Jasmine: the story of depression

This year’s awards season has been plagued by heavy movies. The more light-hearted being American Hustle, but Dallas Buyers Club, 12 Years a Slave, August: Osage County and now Blue Jasmine have set the bar of a new level of depression. All of the above have been great films, and Woody Allen couldn’t be the exception.

Cate Blanchett stars a Jasmine French, a Manhattan socialité that falls into poverty after her wealthy husband’s downfall, Hal Francis (Alec Baldwin) and attempts to star over with her stranged sister, Ginger (Sally Hawkins), in San Francisco.

Cate Blanchett played her part perfectly as a depressed woman. She’s always going back to the life of luxury that she can’t have anymore. There’s a satyrical part to it with the numerous pills she takes and the sweat on her clothes. The Oscar buzz is very well deserved, she’d likely score at this Sunday’s ceremony.

Woody Allen has always got a talent to write remarkable parts for women, like Diane Keaton in Annie Hall. He know how to depict reality and desperation and execute impecably on-screen.

Blue Jasmine has Allen’s name written all over it, but in a good way. The flaws are pointed out but not too much. Blanchett’s character is real and full of empathy. Sally Hawkins’ supporting role is good, but nothing special, not Oscar worthy. It’s hilarious the difference the movie sets between the two adopted sisters, not only physically.

Intentional or not, Blue Jasmine makes you feel as if she has a pathology to ruin everything good that might come in her life after leaving New York and Hal, sometimes it’s funny. Critics have pointed out that the film is reminiscent of a A Streetcar Named Desire (1951) by Tennessee Williams, others say the inspiration came from the high-profile break up between Woody Allen and Mia Farrow.

Midnight in Paris gets a bit boring at times, it’s a 4/5 stars, Blue Jasmine is 4.5/5 stars.

Vivian Russo