The Grand Budapest Hotel: a funny intricate story

Some movie junkies have compared Wes Anderson’s style with Stanley Kubrick’s due to its similar shots. Both like excessive symetry and aim a centered scene with perspective and notable vanishing points. Anderson has said it’s just an inspiration, the comparison is not out of place.

The story begins with a girl reading a writer’s memoir near its monument in the present and the story starts to unfold. The elderly writer (Tom Wilkinson) is chatting up in 1985 with his grandson about his youth.  In 1968 the young writer (Jude Law) is traveling to the famous yet decadent Grand Budapest Hotel in a snowy European location, there he encounters the recluse owner, Mustafa Zero (F. Murray Abraham) who tells the story about how he became to own the hotel. During its final flashback we see a young Zero (Tony Revolori) starting out as Lobby boy in 1932 that is taken under the wing of the concierge M. Gustave (Ralph Fiennes).

Other members of the cast include Anderson’s long time collaborators, Edward Norton, Bill Murray, Owen Wilson, Willem Dafoe, Jason Schwartzman, and Jeff Goldblum, Adrien Brody, Saroise Ronan and Tilda Swinton. Anderson is the director, writer and producer. It’s a cooperation between Germany and Great Britain and was entirely filmed in the former. Inspiration for the story came to Anderson after the writings of Stefan Zweig.

The script is very well made, with three stories within a story. The use of color and auxiliar screen aids the viewer to know in where is the movie is at the moment. Another hint is the screen aspect ratio, swiching from 4:3 (square) in 1932, to two kinds of widescreen for the previous time frames.

As said before, Anderson tends to go back to the satire and dark comedy with melancholic characters giving the viewer the impression of a self-contained Magical Realism.

The film is as short as it can be, barely an hour and a half. But the camera movements makes it very quick to endure and plesureable. The style mentioned above transmits a way of order and balance, contrasting the overall mess of the events that happen. The music was composed by french Alexandre Desplat, which was in syntony to the vibe of the film at every moment.

The performances lived up to the script. Its pivotal points where Ralph Fiennes and Tony Revolori, the latter being a great break-through. The setting is just another character that helps tell the story. Tilda Swinton’s make up is flawless, some may not even notice she is the one playing the old lady.

Through the satire the audience enjoys some happy-go-lucky moments and laughs at the unlikely situations that the characters come across. In a perfectly round movie, the effort the filmmaker makes shines through. That’s the case for the Grand Budapest Hotel, it’s a 5/5.

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Algunos fanáticos del cine comparan el estilo de Wes Anderson con el de Stanley Kubrick por su similaridad en las tomas. A ambos les gusta la simetría excesiva y apuntan a escenas centradas con perspectivas y punto de fuga. Anderson ha dicho que es una inspiración, por lo que la comparación no está fuera de lugar.

La historia comienza con una niña que lee las memorias de un escritor cerca de un monumento en el presente, es allí cuando se empieza a desarrollar la historia. Un viejo escritor (Tom Wilkinson) está contándole sobre su vida a su nieto en 1985. En 1965 un joven escritor (Jude Law) viaja al famoso y decadente Gran Hotel Budapest en una localidad nevosa en Europa; allí se encuentra con el retraído dueño, Mustafa Zero (F. Murray Abraham) que le explica cómo se adueñó del hotel. En el último flashback vemos a un joven Zero (Tony Revolori) como asistente del Lobby en 1932, que aprende bajo la tutela del conserje M. Gustave (Ralph Fiennes).

Otros miembros del elenco incluyen a los colaboradores de siempre de Anderson, Edward Norton, Bill Murray, Owen Wilson, Willem Dafoe, Jason Schwartzman, y Jeff Goldblum, Adrien Brody, Saroise Ronan y Tilda Swinton. Anderson es el director, guionista y productor. Es una cooperación entre Alemania y el Reino Unido, filmada en su totalidad en el primero. La inspiración le vino a Anderson de los escritos de Stefan Zweig.

El guion está bien hecho con tres intrahistorias. El uso del color y ayudas de pantalla ayudan al espectador a ubicarse en el tiempo. Las dimensiones de la pantalla cambian de 4:3 (cuadrado) en 1932, a dos tipos de pantalla apaisada en las previas ambientaciones.

Como está dicho antes, Anderson tiende a retomar la sátira y el humor negro con personajes melancólicos, dándole la impresión al espectador de un realismo mágico.

La película es tan corta como es posible, apenas llegando a la hora y media. Los movimientos de cámara la hacen que pase muy rápido y que sea disfrutable. El estilo trasmite un aura de orden y balance, contrastando el desastre de los eventos que pasan. La música fue compuesta por el francés Alexandre Desplat, que estuvo en sintonía con la vibra del largometraje en todo momento.

Las presentaciones equipararon el guion. Los ejes centrales son Ralph Fiennes y Tony Revolori, siendo éste último un gran descubrimiento. La ambientación es un personaje más que ayuda a contar la historia. El maquillaje de Tilda Swinton es perfecto, tanto así que más de uno ni se dará cuenta que es ella la que interpreta a la vieja.

A través de la sátira la audiencia disfruta de momentos de ligereza y se reirá de las situaciones tan poco probables que le pasan a los personajes. En una película redonda, el esfuerzo del cineasta sale a relucir. Este es el caso del Gran Hotel Budapest, siendo un 5/5.

Vivian Russo

Draft Day: the intensity behind popular sports

Sports are one of the most fine forms of entertainment, along with cinema. Everyone loves them, and when the two come together it’s a delight to see. In the USA two particular disciplines compete for attention, baseball and football. The former has much more movies made about it, Fever Pitch, Moneyball, 42, and Trouble with the Curve, to name a few. When I think of the latter, Remember The Titans, The Longest Yard and The Blind Side comes to mind. Strangely enough, Kevin Costner is no stranger to sports-related movies, previously starring in Chasing Dreams, Bull Durham, Field of Dreams and now Draft Day.

As the name suggests, all takes place within a single day, one that is crucial for football, when the teams get to pick new players. Sonny Weaver Jr. (Kevin Costner) is the general manager of the Cleaveland Browns, a city famous for its football appeal. The tension of this day is accentuated by a secret affair with a co-worker, Ali Parker (Jennifer Garner), miscommunication with coach Vince Penn (Denis Leary) and the expectations of owner Anthony Molina (Frank Langella). To round up the cast, Ellen Burstyn plays Sonny’s mother, Sam Elliot is Coach Moore, Terry Crews is Earl Jennings, Chi McBride is Walt Gordon, as players there’s Tom Welling, Chadwick Boseman, Arian Foster and Josh Pence.

Throughout the movie Costner does what he knows best, create a likeable and complex character. This case, it includes his relationship with his recently deceased dad, and how it affects other interpersonal interactions. In a sense it’s the football counterpart for Moneyball. It shows the process of scouting and negotiating. Garner is also likeable as the atypical female that knows all about sports.

Draft Day tries to bring to the sports the most human part possible, where feeling has a saying in decision-making and likeability can make or break a player. Moneyball, on the other hand, focuses on the statistics behind wining a game and how to make the best out of limited resources. The sports part is just a bonus for fans, because it’s a good movie regardless.

It handles the tense moments without making them extreme and a few witty lines. The director is Ivan Reitman, who also produces, the writers are Rajiv Joseph and Scott Rothman. Reitman is known in the comedy genre (Ghostbusters, Twins, Dave, Junior and No Strings Attached) and for founding The Montecito Picture Company.

The camera movements are very innovative, a memorable look that doesn’t make you dizzy. It’s a very particular way to show two characters talking on the phone in different cities with a dynamic. The charisma that Costner exudes resembles the one that Pitt had in Moneyball, and likewise both movies rest on a single character’s shoulders.

If Moneyball is a 5/5, because it managed the tension to perfection and depicted a truthful story. Draft Day is 4.5/5, being a round film with some tension and light moments, but not as good as the other one.

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Los deportes son una de las mejores formas de entretenerse, en conjunto con el cine. Todos las aman y cuando ambas se mezclan es un deleite para la audiencia. En Estados Unidos hay dos disciplinas que disputan la atención, el béisbol y el fútbol americano. La primera tiene muchas más películas hechas alrededor de él, desde Amor en Juego, El Juego de la Fortuna, 42 y Las Curvas de la Vida, para nombrar algunas. En cuanto a la segunda está Duelo de Titanes, Golpe Bajo: El juego final, Un Sueño Posible. Como si fuera poco, Kevin Costner no es extraño hacia las películas centradas en deportes, siendo que ha actuado en Persiguiendo el sueño, Los toros de Durham, Campo de sueños, Por amor al juego, Enredos del corazón y ahora Draft Day.

Como el nombre lo sugiere, los eventos se desarrollan en el curso de un sólo día, siendo él crucial para el fútbol americano porque es cuando los equipos escogen nuevos jugadores. Sonny Weaver Jr. (Kevin Costner) es el gerente general de los Marrones de Cleveland, una ciudad cuyo atractivo principal es este deporte. La tensión de ese día lo acentúa un amorío con una colega, Ali Parker (Jennifer Garner), miscomunicación con el entrenador Vince Penn (Denis Leary), y las expectativas del dueño, Anthony Molina (Frank Langella). Para completar el elenco está Ellen Burstyn como la madre de Sonny, Sam Elliot como el entrenador Moore, Terry Crews es Earl Jennings, Chi McBride es Walt Gordon, y como jugadores están Tom Welling, Chadwick Boseman, Arian Foster y Josh Pence.

A lo largo de la película Costner logra lo que mejor sabe hacer, crear un personaje complejo y empático. En este caso el componente es su relación con su recién fallecido padre y cómo afecta su trato con los demás. De cierto modo se asemeja al Juego de la Fortuna porque muestra el proceso detrás de bastidores de adquirir jugadores y negociar. Garner también simpatiza con la audiencia como la atípica mujer que todo lo sabe cuando se trata de deportes.

Draft Day trata de humanizar el deporte, donde importa caer bien, los sentimientos juegan un papel en la toma de decisiones y cómo te cae alguien puede definir o destruir a un jugador. El Juego de la Fortuna se enfoca en la estadísticas para ganar un juego y cómo aprovechar al máximo recursos limitados. La parte deportiva es un valor agregado que disfrutan sus fanáticos, sigue siendo una buena película sin importar eso.

Maneja los momentos de tensión con agilidad sin extenderlos mucho y los combina con parlamentos ocurrentes. El director es Ivan Reitman, que también la produce, los guionistas son Rajiv Joseph y Scott Rothman. Reitman es conocido en el género de la comedia (Los cazafantasmas, Gemelos, Dave, Junior y Amigos con derechos) y por crear la productora The Montecito Picture Company.

Los movimientos de cámara son innovadores, siendo memorables sin llegar a marear. Es una forma particular y dinámica de mostrar a dos personajes en distintas ciudades hablando por teléfono. El carisma que se desprende de Costner es similar al de Pitt en El Juego del a Fortuna, y en ambos casos la película recae sobre los hombros de un sólo personaje.

El Juego del a Fortuna es un 5/5 porque maneja la tensión a la perfección y muestra acertadamente una historia real. Draft Day es 4.5/5 por ser una película redonda con momentos de tensión y ligeros, sin llegar al nivel de dominio de la anterior.

Vivian Russo

The Liberator: a melting pot of history

When it comes to Latin American history, there’s no greater figure than Simón Bolívar. Originally from Venezuela, he helped 5 nations in South America get their independence from Spain. Even in modern times, Bolívar’s presence is constant in this countries; from currency, to plazas, cities and states. It comes to a point of adoration that blurres the lines between what he actually was and the character depicted.

The Liberator focuses on the life of Simón Bolívar, played by Venezuelan Édgar Ramírez. From his formative years in Europe, his marriage to María Teresa Rodríguez del Toro (María Valverde), battles, failures and political events leading up to the independence and his untimely death. Along the way we meet famous people in history like Manuelita Sáenz (Juana Acosta), Antonio José de Sucre (Erich Wilpred), José Antonio Páez (Juvel Vielma), José Félix Ribas (Carlos Julio Molina), Francisco De Paula Santander (Orlando Valenzuela), Francisco de Miranda (Manuel Porto), among others.

If you are familiar with Latin American history, some interpretations of characters will not seem real. Bolívar was always described as selfish, short and a ladies man, whereas Ramírez doesn’t resemble him physically and transmits a romantic inexistent side. It doesn’t show the struggles he had to undergo to find his place as a leader, the contradictions that plagued his vision and the real reason why he died. This last part is particularly shocking towards the end of the movie. I suspect they got carried away and made it a tad more commercially dramatic than it should have, not even close to the historical version.

The same thing happens with Sucre, who doesn’t have enough of a character in The Liberator to stand up for himself. Páez’s look gives you the impression he’s a junkie and Miranda is short and fat, completely opposite of his image in famous paintings. Beyond that, the movie is a good one.

It shows quality, a trait people point out as unexpected as far as Venezuelan cinema goes. The thing is, that the team behind it is more like Hollywood than you might think, making the success and impact predictable. It says a lot of the famous patriotism when it comes to making a film about the so-called “Father of out land”. It’s a shame that there are only three Venezuelans behind its creation, the director, Alberto Arvelo, the lead actor, Édgar Ramírez and the music composer, Gustavo Dudamel. This especifications should be known to foreign audiences so they can approach The Liberator as it should.

If one would like to be beyond picky, there are more historical mistakes along the way of the movie. It was made with the thought of making it entertaining, not to portray the life of a memorable character. Is more a drama than a historical flick. Liberator is a solid 3.5/5.

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Cuando se trata de la historia latinoamericana, no hay figura más importante que Simón Bolívar. El venezolano ayudó a 5 naciones a independizarse de España. Incluso en tiempos modernos la presencia de Bolívar es común: la moneda, plazas, ciudades y países. La adoración llega a un punto que se desdibujan las líneas entre lo que realmente fue y cómo lo describen comúnmente.

Libertador cuenta la vida de Simón Bolívar, interpretado por el venezolano Édgar Ramírez. Abarca períodos de su vida desde la formación en Europa, su matrimonio con María Teresa Rodríguez del Toro (María Valverde), derrotas y eventos políticos que llevaron a la independencia, y últimamente a su muerte. En el camino nos presentan a figuras históricas como Manuelita Sáenz (Juana Acosta), Antonio José de Sucre (Erich Wilpred), José Antonio Páez (Juvel Vielma), José Félix Ribas (Carlos Julio Molina), Francisco De Paula Santander (Orlando Valenzuela), Francisco de Miranda (Manuel Porto), entre otros.

Lo que la historia latinoamericana apunta no coincide con lo transcurrido en la película. Por ejemplo, Bolívar lo describen como egoísta, bajita y mujeriego, distando mucho, para empezar, del porte alto de Ramírez y un lado romántico que no se le adscribe al personaje clásicamente. No muestra su lucha para encontrar su lugar como líder, las contradicciones que plagaban su visión y la verdadera razón de su muerte. Esta última parte es bastante impactante hacia el final de la película. Sospecho que se dejaron llevar por el ritmo cinematográfico y quisieron añadirle un toque extra de picante, que si bien añade valor dramático no se ciñe a la realidad histórica.

Lo mismo ocurre con el personaje de Sucre, que lo muestran como falto de carácter para defenderse. Páez parece un drogadicto y Miranda es gordo y bajito, completamente opuesto a como aparece en sus famosas pinturas.

La película es de calidad, aspecto que no se le atribuye comúnmente al cine venezolano. Lo que sucede es que el equipo que la hizo se parece más a Hollywood que a otra cosa, era predecible que tendría éxito. También dice mucho del patriotismo famoso cuando se trata de retratar la vida del llamado Padre de la Patria. Es una lástima que sólo hay tres venezolanos detrás de su creación, el director, Alberto Arvelo, el actor principal, Édgar Ramírez, y el compositor, Gustavo Dudamel. Todos estos pormenores deberían ser conocidos por el público extranjero para poder entender Libertador como deberían.

Si uno se pone más quisquilloso, todavía hay más datos histórico distorsionados en la película. Fue hecha para entretener, no para dar una verdadera mirada de la vida de un personaje famoso. Es más drama que biográfico. Libertador es un sólido 3.5/5.

Vivian Russo

 

Begin Again: an insight into the music business

The music industry, like any business, draws attention as to what happens behind the scenes. Usually films include a soundtrack but few go beyond it playing and into the whole process. One example can be Music & Lyrics, that didn’t make a huge impression, partly because its leading couple were Hugh Grant and Drew Barrymore, two actors very familiar to the romantic comedy genre. Begin Again explores the musical path as well, with some faces not normally associated to romcoms.

It’s a story about a troubled music producer, Dan Mulligan (Mark Ruffalo) who stumbles upon a new talent, Gretta (Keira Knightley) and they go through the process of creating an album in the struggles of music labels. Characters include Miriam (Catherine Keener), Dan’s wife, Violet (Hailee Steinfeld), Dan’s daughter, Dave (Adam Levine), Gretta’s love interest and Steve (James Corden), Gretta’s best friend.

The filmmaker behind Begin Again is John Carney, who wrote and directed this musical. He’s the irishman who made the famous Once (2007), that received positive reviews and critical acclaim. Begin Again is a mainstream approach to comedy with a music touch. And what a better way to do it than including a band member of Maroon 5. Adam Levine debuted on the big screen, and for a rookie he did a good job. His character was believable, better than Nicki Minaj on The Other Woman, but still has some catching up to Justin Timberlake. The highlights of the movie were when Levine sang, showing what’s truly his element. The featured song, Lost Stars is a power pop-ballad, that does free publicity for his band’s new album.

It was refreshing to see Keira Knightley on a different role, not her usual period-pieces, but a modern day flick and with the novelty of music. She did as good of a job singing as much as Levine did acting, each could learn a few things from the other. Ruffalo delivered the appearance of a man full of problems, with his personal look and the way he talks. Nevertheless, he remained approachable and likeable, an archetype full of complexity that people love to see.

The script is very round, with an ending that was surprisingly unexpected and opposite to a cliché. It’s one of those good indie films that doesn’t make too much noise because it’s not controversial, it’s a shame it passed without notice since it was entertaining. Soon it will be with Music & Lyrics, on the list of forgotten movies. Begin Again is a 4.5/5.

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La industria de la música, como cualquier negocio, llama la atención de qué pasa detrás de cámaras. Usualmente las películas tienen banda sonora, pero son pocas las que van más allá de reproducirlas y dentro del proceso de hacerla. Un ejemplo es Letra y Música, que no causó una gran impresión, en parte porque los actores eran Hugh Grant y Drew Barrymore, personas muy conocidas en el género de la comedia romántica. Empezar de Nuevo explora ese género, pero con actores menos familiares a las comedias románticas.

Es la historia de un turbulento productor musical, Dan Mulligan (Mark Ruffalo), que coincide accidentalmente con un nuevo talento, Gretta (Keira Knightley) y atraviesan el proceso de crear un álbum en medio de las luchas con las disqueras. Otros personajes incluyen a Miriam (Catherine Keener), la esposa de Dan, Violet (Hailee Steinfeld), la hija de Dan, Dave (Adam Levine), el interés amoroso de Gretta y Steve (James Corden), el mejor amigo de Gretta.

El cineasta detrás de Empezar de Nuevo es John Carney, quien dirigió y escribió este musical. Él es el irlandés que hizo el famoso Once (2007), que recibió críticas positivas y reconocimientos. En esta ocasión se le aborda a la comedia desde un punto mainstream con un toque musical. Y qué mejor manera de hacerlo que incluir a un miembro de la banda Maroon 5. Adam Levine debutó en la gran pantalla y para ser un novato hizo un buen trabajo. Su personaje fue creíble, mejor que Nicki Minaj en Mujeres al Ataque, pero todavía le falta para llegar al nivel de Justin Timberlake. Los mejores momentos fueron cuando Levine cantó, mostrando cuál es su verdadero fuerte. La canción que aparece en repetidas ocasiones es Lost Stars, una balada pop poderosa que le hace publicidad al álbum más reciente de su banda.

Fue refrescante ver a Keira Knightley en un papel diferente, no sus usuales dramas de época, sino una película moderna con un toque novedoso de música. Ella hizo un buen trabajo cantando, en la misma medida que Levine actuó; cada uno puede aprender unas cuantas cosas del otro. Ruffalo fue creíble como un hombre lleno de problemas, tanto en apariencia como en forma de hablar. Sin embargo, se mantuvo accesible y agradable, un arquetipo lleno de complejidades que la gente ama ver en películas.

El guion es redondo, con un final que sorprendió por lo inesperado y se opuso a un cliché. Es uno de esos filmes independientes que no hace mucho ruido porque no es controversial. Lástima que pasó por debajo de la mesa porque fue entretenida. Pronto estará junto a Letra y Música apilada entre las películas que la gente no recuerda. Empezar de nuevo es un 4.5/5.

Vivian Russo

Divergent: the result of dystopian fever

As the 2000’s have approached, there has been an outbreak of dystopian themes in media. Some atribute it to the new millenia and the dangers of free information around the world. With that came 12 Monkeys, The Matrix, I, Robot, V for Vendetta, I am Legend; more recently The Host, Oblivion, Avatar, The Book of Eli, Wall-E, and the popular sagas, The Hunger Games, Divergent. This last two have established phenomenons worldwide, being on the bestseller list of young adult novels way before they were adapted to the big screen.

Divergent, the first novel by Veronica Roth, takes place in a post-apocaliptic Chicago where the city is divided in factions according to their human virtues. Beatrice “Tris” Prior (Shailene Woodley), is a 16-year-old that takes the test to determine where she belongs, just like anyone else, but gets Divergent. This result is unusual because it threatens the system when a person has more than one attribute. Soon, she discovers a plot to overturn the government in her seemingly perfect society. Theo James stars as Four, her love interest and mentor. Rounding up the cast is Ashley Judd and Tony Goldwyn as Tris’ parents, Ansel Elgort as Caleb Prior, her brother, Kate Winslet as Jeanine Matthews, Jai Courtney as Eric, and Zoe Kravitz, Miles Teller, Maggie Q and Ray Stevenson.

Since Katniss Everdeen debuted in the first Hunger Games, there’s been fandom for heroines empowering the female gender. It’s an advance since this product is made for that audience. Shailene Woodley has all the attributes to be a proper leading lady and kick butt. Theo James was a pleasant discovery of this movie, they have good chemistry.

Before this dystopian themes, the popular sagas among teenagers where Lord of The Rings, Harry Potter and Twilight. And as time grew on, this ones replaced them; they all have a common theme, a love story appealing to every audience. That’s the bottom line why they draw so much attention. Like its predecessors, Divergent is meant for commercial success, so the script is build around that, good fight scenes, some sentimentality and leaving you hanging at the end so you’ll catch the next one. This movie is good, but not groundbreaking. Another factor that makes it succeed is the inventive of creating a new society that this franchises do so well.

The Hunger Games was boring in comparison to Catching Fire, its sequel. And I predict the same for Divergent, it usually happens in franchises that as you get familiar with characters it gets more tricky yet interesting. The message that both send is very clear, to watch out for humanity for we can be our own worst enemy. Seems like perfection is not the answer, since an utopy is not possible, but its opposite, dystopy is.

If The Hunger Games relied entirely on Jennifer Lawrence’s charisma to succeed with a 3/5, Divergent stands on its own with 4/5.

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Mientras se han acercado los 2000, se ha desatado fiebre por los temas distópicos en los medios. Algunos lo atribuyen al nuevo milenio y los peligros de tener información corriendo libre por el mundo. Con eso vino 12 Monos, Matrix, Yo Robot, V de Venganza, Soy Leyenda y más recientemente Oblivion, Avatar, El libro de los secretos, Wall-E, La huésped, y las sagas de Los Juegos del Hambre y Divergente. Estas últimas siendo fenómenos consolidados a nivel mundial con millones de libros vendidos mucho antes de llegar a la gran pantalla.

Divergente, la primera de las novelas de Veronica Roth, toma lugar en una post-apocalíptica Chicago donde la ciudad está dividida en facciones de acuerdo a las virtudes humanas que posean. Beatrice “Tris” Prior (Shailene Woodley), es una muchacha de 16 años que toma el examen que le dice dónde pertenece, como cualquier otro, pero le sale Divergente. Es un resultado inusual porque los divergentes amenazan el sistema al pertenecer a más de un grupo. Pronto ella descubrirá que están confabulando para derrocar el gobierno de lo que parece ser una sociedad perfecta. Theo James es Four, su interés sentimental y mentor. Otros miembros del elenco incluyen a Ashley Judd y Tony Goldwyn como los padres de  Tris, Ansel Elgort como Caleb Prior, su hermano, Kate Winslet como Jeanine Matthews, Jai Courtney como Eric, y Zoe Kravitz, Miles Teller, Maggie Q y Ray Stevenson en papeles secundarios.

Desde que Katniss Everdeen debutó en la gran pantalla en la primera de los Juegos del Hambre ha habido revuelo por la nuevas heroínas que reafirman al género femenino. Es un avance ya que el producto está hecho para esa audiencia. Shailene Woodley tiene todos los atributos para ser protagonista y arrasar en las peleas a la misma vez. Theo James fue una agradable sorpresa de descubrir, ellos tienen buena química.

Antes de las tramas distópicas, las sagas famosas eran El señor de los anillos, Harry Potter y Crepúsculo. Con el paso del tiempo, éstas las reemplazaron; lo que tienen en común es una historia de amor que llama la atención de muchos tipos de audiencia. A eso se reduce el porqué de su éxito. Como sus predecesoras, Divergente está hecha para tener éxito en la taquilla, por eso es que construyen el guion alrededor de mercadear dicho producto. Tiene buenas escenas de acción, algo de sentimiento y te deja guindando al final para que vayas a ver la próxima cuando salga. La película es buena, pero no extraordinaria. Otro factor que la hace destacar es la inventiva de crear una sociedad, cosa que saben hacer muy bien estas franquicias.

 Los Juegos del Hambre fue aburrida en comparación con En llamas, su secuela. Y predigo que será lo mismo con Divergente, lo que suele suceder con las franquicias, mientras más conoces a un personaje más se complica y se pone interesante. El mensaje que ambos mandan es claro, cuidarse de los límites de la humanidad porque podemos ser nuestro peor enemigo. Parece que la perfección no es la respuesta, siendo que la utopía no es posible pero sí su opuesto, la distopía.

Si Los Juegos del Hambre dependió por completo del carisma de Jennifer Lawrence para tener éxito, tuvo un 3/5, Divergente se sostiene por sí sola con 4/5.

Vivian Russo

The Railway Man: a different side to World War II

The wars are endless sources of inspiration, especially the World War II that still leaves its mark almost 70 years later. Some films focus on the Holocaust / Shoa, like Schindler’s List or The Boy in the Striped Pajamas, others show the military aspect, like Saving Private Ryan, and some else the civilian side like The Book Thief. The Railway Man resembles more Saving Private Ryan with a biographical touch.

The Railway Man tells the story of the suffering and effects of torture in a former British officer during World War II, Eric Lomax. The film splits its time between the present, set in the 80’s, and the past, set in the 40’s. Lomax was captured in Singapore by the Japanese and forced to work on a railroad in Southeast Asia. Years later, Lomax is still coping with his current life and past tortures. Colin Firth plays the older version, while Jeremy Irvine the younger one. Nicole Kidman stars as his wife Patti Lomax. Stellan Skarsgard joins the cast as Lomax’s friend Finlay and Tanroh Ishida plays young Takashi Nagase, Lomax’s torturer.

Directed by Jonathan Teplitzky, produced by Chris Brown, Bill Curbishley, Andy Paterson and adapted from the original autobiography by Frank Cottrell Boyce and Paterson. Teplitzky has done some movies in his native Australia, Bill Curbishley is known in the rock musical business in the UK. Cottrell Boyce and Paterson have done some British films also.

Since it’s a historical drama the pace is expected to be slow, it can’t be like Fast & Furious. It requires patience and to have had a good night sleep prior to seeing it if possible. Firth is not one of my favorite actors, and his diction is not the best, especially for a non-native english speking person.

The main tool of an actor is his body, especially his voice. Hence, the importance of speaking clearly in order to trasmit emotion. Firth, in my opinion, doesn’t succeed in any of those areas, resting great value from the movie in general.

Although it gets boring in the middle, you should stick out to the end because it’s worth it. The movie has some good drama and great performances from Irvine and Kidman. It explores the relationships between the characters in a very interesting way, the outcome is equally as pleasing. The ending scene made me tear up, so be prepared.

Seems like the more years go by, the more barbarities are discovered that happened during World War II; from the stolen art by the nazis in The Monuments Men, to the poor German people of The Book Thief and finally, The Railway Man, showing the cruelty of humanity. A conclusion is that the war is not over after a cease-fire, it continues way more beyond that. Somehow, cinema always touches the delicate subject of war, this one especially, even so that is the genesis of one of the most memorable heroes of Marvel, Captain America.

If The Book Thief was heart-warming and witty, with a 5/5, The Monuments Men and Saving Private Ryan are on the more boring note with 4/5, The Railway Man is a solid 4/5.

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Las guerras son fuentes de inspiración sin fin, especialmente la Segunda Guerra Mundial, que deja su marca casi 70 años después. Algunas películas se enfocan en el Holocausto / Shoa como La lista de Schindler y El niño en el pijama de rayas, otras muestran el lado militar como Salvando al Soldado Ryan, mientras que otras escogen el punto de vista civil, como Ladrona de Libros. Un pasado imborrable está más por la onda de Salvando al Soldado Ryan con un toque biográfico.

Un pasado imborrable muestra los efectos de la tortura en un oficial británico sometido a trabajos forzados en la época de la Segunda Guerra Mundial, Eric Lomax. El filme divide el tiempo entre el presente, ambientado en los 80s y el pasado, ambientado en los 40s. Lomax fue capturado en Singapur por los japoneses y obligado a construir un ferrocarril en el sureste de Asia. Años después, Lomax sigue lidiando con su vida presente y la tortura pasada. Colin Firth interpreta a la versión adulta, mientras que Jeremy Irvine a la más joven. Nicole Kidman hace de su esposa, como Patti Lomax. Stellan Skarsgard completa el elenco como el amigo de Lomax, Finlay y Tanroh Ishida interpreta al joven Takashi Nagase, el torturador.

Fue dirigido por Jonathan Teplitzky, producido por Chris Brown, Bill Curbishley y Andy Paterson y adaptado de la autobiografía original por Frank Cottrell Boyce y Paterson. Teplitzky ha hecho algunas películas en su nativa Australia, Bill Curbishley es conocido en la escena musical rock del Reino Unido. Cottrell Boyce y Paterson han hecho varios filmes británicos también.

Siendo drama histórico, el ritmo se espera que sea lento, no puede ser como Rápidos y Furiosos. Necesita de paciencia, y mejor aún, haber dormido bien antes de ver la película. Firth no es de mis actores favoritos, y su dicción no es la mejor, se hace difícil entenderlo especialmente si no se es nativo del idioma inglés.

La herramienta principal de un actor es su cuerpo, especialmente su voz. He allí la importancia de saber comunicarse con claridad para transmitir emoción. Firth, en mi opinión, no tiene éxito en ninguna de esas áreas, restándole gran valor a la película en general.

Aunque se pone aburrido en el medio, hay que aguantar hasta el final porque tiene un buen final, vale la pena. La película tiene puntos de drama y buenas presentaciones de parte de Kidman e Irvine. Explora las relaciones interpersonales entre los personajes de una forma muy interesante, el resultado es igualmente grato. El final hará llorar a más de uno, así que prepárense.

Parece que mientras más tiempo pasa desde la Segunda Guerra Mundial, más barbaridades se descubren. Desde el arte robado por los nazis en Operación Monumento, hasta el pobre pueblo alemán en Ladrona de Libros, y por último, hasta donde puede llegar la crueldad de la humanidad en Un pasado imborrable. Una buena conclusión es que la guerra no se acaba con el cese al fuego, continúa mucho más allá. De alguna forma, el cine siempre llega al álgido tema de la guerra, esta en particular, tanto así que es el génesis de uno de los más memorables héroes de Marvel, Capitán América.

Si Ladrona de Libros fue enternecedora y ocurrente con 5/5, Operación Monumento y Salvando al Soldado Ryan más por lo aburrido con 4/5, Un pasado imborrable es un sólido 4/5.

Vivian Russo

The Other Woman: another twist to the classic rom-com

There can be many kinds of romantic comedies, one less explored is the satire of cheating and the whole mistress business. The Other Woman gives a fresh look to an abandoned subject.

Cameron Diaz stars a middle-aged female lawyer, Carly, in New York who is stunned to find out that his promising new boyfriend, Marc (Nikolaj Coster-Waldau) is married. His wife is Kate (Leslie Mann) who lives in suburban Conneticut. After some encounters between the two women, an unlikely friendship ocurs and they reclute another of Marc’s mistresses, Amber (Kate Upton) to take revenge.

The director of this movie is Nick Cassavetes. The producer is Julie Yorn and the writer Melissa Stack. Cassavetes is the man behind the famous The Notebook, and worked previously with Diaz on My Sister’s Keeper.

When it comes to this movie’s performances, Leslie Mann was neurotic and hard to empathize even being the wife. Kate Upton was just another pretty face. Cameron Diaz gave her usual performance, what stood out was her wardrobe. It should come as no suprise that the costume designers, Paolo Nieddu and Jacqueline Oknaian, are the same ones behind both Sex & The City movies, which are famous for their clothes. Another perk of the movie was the settings, the places were glamorous and highlighted Cameron’s character.

The ending was a bit predictable yet undesired. I would’ve wished for Marc to have a worse outcome and the ladies to have less fairy-tale-eque life.

Some scenes were so absurd that it was hilarious, but it didn’t go beyond that. The worst was Nicki Minaj, another singer who has no business acting, it’s not the same as Justin Timberlake, who’s a triple threat. Other actors who completed the cast where Taylor Kinney as Phil, Kate’s brother and Don Johnson as Frank, Carly’s father.

The team behind the film could’ve made a much better result. The music composer was Aaron Zigman, who has collaborated with Cassavetes in previous movies of his. This is another comedy with a nice look that will soon be forgotten.

If The Notebook is the best of Cassavetes filmography with a solid 5/5 and My Sister’s Keeper, althought depressing, is a close 4/5, The Other Woman is 3/5.

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Hay muchos tipos de comedias románticas, uno menos explorado es la sátira de las amantes y todo el lío de la infidelidad.  Mujeres al ataque le da un toque fresco a un tema abandonado.

Cameron Díaz es la protagonista, haciendo de una abogada de mediana edad en Nueva York, Carly, que se asombra al descubrir que su nuevo novio prometedor está casado, Marc (Nikolaj Coster-Waldau). Su esposa es Kate (Leslie Mann), que vive en un pueblo tranquilo en Conneticut. Después de varios encuentros entre las dos mujeres, forjan una amistad inesperada y reclutan a otra de las amantes de Marc, Amber (Kate Upton) para vengarse.

El director de esta película es Nick Cassavetes, la guionista Melissa Stack y productora Julie Yorn. Cassavetes es el director de la famosa Diario de una pasión, y trabajó con Díaz previamente en La decisión más difícil.

Cuando se trata de las interpretaciones, Leslie Mann fue más allá de la histeria, siendo difícil de simpatizar con ella, incluso siendo la esposa. Kate Upton fue sólo una cara bonita. Cameron Díaz dio lo mismo de otros personajes, lo que resaltó fue su ropa. No debería sorprender que los diseñadores de vestuario, Paolo Nieddu y Jacqueline Oknaian, son los mismo detrás de ambas películas de Sexo en la Ciudad. Esta última película es mundialmente famosa por los atuendos de las protagonistas. Otra ventaja de Mujeres al ataque fueron los ambientes, muy glamoroso y a tono con el personaje de Díaz.

El final fue predecible y poco atractivo. Esperaba algo peor para Marc y que las mujeres no tuvieran una vida tan rosa, al punto de parecer irreal. Hubo varias escenas que daban risa de su absurdez, pero no fue más allá. Lo peor fue ver a Nicki Minaj intentar actuar, es sólo otra cantante que no debe meterse en el mundo de la actuación, nada que ver con el caso particular de Justin Timberlake, que sabe cantar, actuar y bailar. Otros actores que completan el elenco son Taylor Kinney como Phil, el hermano de Kate y Don Johnson como Frank, el papá de Carly.

El equipo detrás de la película pudo haber logrado un mejor resultado. El compositor de la banda sonora fue Aaron Zigman, que ha colaborado en varias ocasiones con Cassavetes en otras de sus películas. Esta es otra comedia con un buen look que será olvidada pronto.

Si Diario de una pasión es lo mejor de la filmografía de Cassavetes, con un sólido 5/5 y La decisión más difícil está cerca, aunque fue deprimente, con un 4/5, Mujeres al Ataque es un flojo 3/5.

 

Vivian Russo