Money Monster: a realistic thriller

The father of the thriller genre is Alfred Hitchcock with memorable films like Rear Window, Vertigo and Psycho. Silence of The Lambs is one of the most critically acclaimed one in modern times. It launched Jodie Foster to stardom. After establishing herself as an actor, Foster started directing. Her latest effort is Money Monster, a thriller that will leave you with a bitter taste on your mouth. It’s no surprise she chose this genre, working in thrillers and taking from the masters that preceded her. For being raw and shocking, Money Monster succeeded as a creative piece.

Money Monster is about a TV personality, Lee Gates (George Clooney) who is forcefully interrogated live on his show by a bankrupt viewer, Kyle Budwell (Jack O’Connell). On the other side of the mic, his loyal producer, Patty Fenn (Julia Roberts) is listening helplessly. Completing the cast are Dominic West, Caitriona Balfe and Christopher Denham. Clooney also produces with his company Smokehouse Pictures. Aiding Clooney on the producing task is Grant Heslov, Daniel Dubiecki and Lana Alameddine. The writers are Alan Di Fiore, Jim Kouf & Jamie Linden.

The movie has a cynical but realistic tone, partly because of Clooney’s signature touch. His production company is not known for fairy tales (filmography including The Ides of March, Argo, and Our Brand is Crisis), telling it like it is no matter how brutal. This style suits Jodie Foster, whose last directing effort was The Beaver (2010), also melancholic.

On the acting department, newcomer Jack O’Connell fits right into the chemistry between Julia and George. These veteran stars have worked together previously in Confessions of a Dangerous Mind and the Ocean’s Trilogy. George Clooney and Julia Roberts have an established dynamic between them, both on and off screen. It’s an accomplishment to have found a young actor to keep up with this duo. O’Connell had his break in Angelina Jolie’s Unbroken (2014), the failed but notable World War II drama.

Julia Roberts’ versatility knows no bounds. From Pretty Woman and Erin Brockovitch, to being the lady behind the scenes ignored by her co-workers in Money Monster. George Clooney makes a believable douchebag, from the moment you see his nasty act, you foresee bad things in this character’s future. The ending of the film will leave you numb and bewildered. After a general dynamic pace there’s an abrupt resolution. This strategy is often used for thrillers, keeping you at the edge of your seat to finish without the bang you were expecting. The shots make use of handycams that follow the actors. The lighting has cold colors fitting for the genre. The police is useless as ever, only making a situation worse.

There’s a metalinguistic element about Money Monster that is very beautiful. It’s a movie about a TV show, with cameras on cameras, covering the lives of people behind and in front of the screen. The subject also deals with the delicate subject of bombs, that alarm every one. It shows how average people are taken to the edge when the going gets tough. It mentions also the mechanics behind money and investments, how some people don’t have a clue about how the system actually works. Parallely, it depicts people insensitivity towards their fellow’s problems. The message to the audience is: there’s morbid curiosity for a while but they don’t genuinely care about another’s tragedy.

The final recommendation is not to watch this movie if you want to be uplifted. The sensation afterwards is the opposite than Mother’s Day, my previous critic. Money Monster is a raw thriller, written masterfully, riveting with suspense and ending without a bang, with a sinister sense of humor, and a star-studded cast a 5/5.

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El padre del suspenso es Alfred Hitchcock, con películas memorables como La ventana indiscreta, Vértigo y Psicosis. El silencio de los inocentes es una de las más aclamadas piezas del género en tiempos modernos, catapultó al estrellato a Foster como actriz a principios de los 90. El esfuerzo más recente de Foster como directora es El maestro del dinero, un thriller que te dejará con un sabor amargo en la boca. No soprende que escogiera este género para dirigir, habiendo trabajado en proyectos similares anteriormente y tomando de los maestros que la preceden. Por ser cruda e impactantate El maestro del dinero tuvo éxito como pieza creativa.

El maestro del dinero es sobre un conductor de TV, Lee Gates (George Clooney) quien es interrogado a la fuerza al aire en su programa por un espectador desilusionado y en la bancarrota, Kyle Budwell (Jack O’Connell). Del otro lado del micrófono está su leal productora, Patty Fenn (Julia Roberts), escuchando impotente. Terminando el elenco están Dominic West, Caitriona Balfe y Christopher Denham. Clooney también produce con su compañía Smokehouse Pictures. Compartiendo los créditos en este renglón está Grant Heslov, Daniel Dubiecki y Lana Alameddine. Los guionistas son Alan Di Fiore, Jim Kouf y Jamie Linden.

La película tiene un tono cínico pero realista, gracias al toque característico de Clooney. Su productora no es conocida por hacer cuentos de hadas (entre la filmografía se incluye Poder y Traición, Argo y Experta en crisis), dice las cosas como son sin importar cuán brutal sea el efecto. Este estilo encaja con Jodie Foster como directora, cuyo último largometraje fue Mi otro yo o El Castor (2010), melancólica igualmente.

En cuanto a actuación, el novato Jack O’Connell logra insertarse en la química ya establecida de Julia y George. Estas estrellas consolidades han trabajado juntos anteriormente en Confesiones de una mente peligrosa y la trilogía de La gran estafa. George Clooney y Julia Roberts ya tenían una dinámica previa, es un logro haber conseguido a un joven actor que logra estar a la altura de grandes veteranos. El rol revelación de O’Connell fue en Inquebrantable (2014) la fallida pero notable película de la Segunda Guerra Mundial dirigida por Angelina Jolie.

La versatilidad de Julia Roberts no tiene límites. Desde Mujer Bonita y Erin Brockovitch, a ser la dama detrás de cámara ignorada por sus colegas en El maestro del dinero. George Clooney hace creíble el papel de cretino, desde que vemos su soberbia al conducir el programa de TV es predecible que le van a pasar cosas indeseables a este personaje. El final de la película te deja atontado y desconcertado. El ritmo general es dinámico, hasta que se corta abruptamente en la resolución. Esta estrategia no es novedad en el género del  thriller, manteniéndonos a la expectativa para terminar sin el ruido que esperábamos. Las tomas están llenas de handycams que siguen el paso de los personajes. La iluminación es fría, en concordancia con el género. La policía es tan inútil como siempre, sólo empeoran la situación.

Hay una belleza metaligüística en El maestro del dinero porque es una película sobre un programa de TV, cámaras apuntan a más cámaras, abarcan las vidas de personas detrás y frente a la cámara. No importa si es la gran o pequeña pantalla. La trama también toca el tema delicado de las bombas, que nos alarman a todos. Enseña cómo personas promedio son llevadas al límite cuando las cosas se ponen difíciles. También hace mención a los pormenores detrás de las inversiones, sugiriendo que no tenemos idea de cómo funciona realmente el sistema. En pararelo, se trata con la insensibilidad de la gente ante los problemas ajenos. El mensaje a la audiencia es que las masas tienen una curiosidad morbosa por un espéctaculo temporal, pero no les afecta realmenta la tragedia del vecino.

La recomendación final es no ver esta película si quieres levantar tu ánimo. La sensación a posteriori es el opuesto de Día de la madre, mi crítica anterior. El maestro del dinero es un thriller crudo, con una escritura maestra, suspenso cautivador con un final sutil y sorpresivo, un sentido del humor retorcido y elenco de primera, es un 5/5.

Vivian Russo

A MOST WANTED MAN: a conflict of ideals

Cinema is a funny thing. Some themes are more notorious than others, whether driven by political or commercial interests. A Most Wanted Man is a good movie that was on the right path to being internationally renowned, but it didn’t rise above. Being an absorbing thriller, it had relevance for public opinion; dealing with government organizations and terrorism. Moreover, known Hollywood actors flex their muscles for these roles.

A Most Wanted Man is the quest of Issa Karpov (Grigoriy Dobrygin) as an illegal political refugee in Germany. Günther Bachmann (Phillip Seymour Hoffman), leader of a covert government organization against terrorism, seeks redemption after a failed mission abroad. Members of Günther’s team include Irna Frey (Nina Hoss) and Max (Daniel Brühl). Annabelle Richter (Rachel McAdams) is an immigration lawyer that gets involved in Issa’s case, same with banker Tommy Brue (Willem Dafoe). Other characters include Mohr (Rainer Boch), a high-ranked German security officer, & Martha Sullivan (Robin Wright), a member of the American embassy.

Ironically, the film has three Hollywood actors with German characters that criticize politics and America. Self-hating figures have become notorious, this movie channels it in a very subtle way. Both Hoffman and McAdams transformed themselves with the thick accent and winter clothes. Günther is paranoid about cooperating with someone other than his team, due to previous bad experiences. He exemplifies a person who is tired of hypocresy in International Relations, where sometimes there’s no difference between government officials and terrorists. When the world is so convulsed some people compromise their integrity, eating up idealists like Günther. Circmstances have made him headstrong, it’s his way or the highway, with the plus that Günther’s methods actually work. When people start meddling in his case, things get complicated.

A curious thing is that Hoffman’s character is as unkempt as he was before his untimely death. The endless cigarettes and workaholic attitude reflect part of his personality, always an anti-star in Hollywood. For Hoffman it was about playing the part truthfully, even if it meant neglecting his appearance.

As a movie it’s a riveting thriller with a solemn cold lighting suitable for espionage. Each scene adds a little piece of information until we get a clearer view. However, we never see the full picture, we assume the resolution from Günther’s perspective. Hope for the best but expect the worst. This production reflects the genre, getting more tense every minute like the turn of a screw. When push comes to shove, no one is safe in this deception game. Friends is a convenient term with an expiration date according to interests.

The creative team joins unlikely forces. Anton Corbijn is the director, Dutch filmmaker that has made rock videos and directed most recently The American (2010, starring George Clooney). Corbijn successfully handled the delicateness of making a thriller. The screenplay is based John Le Carré’s novel of the same name. Carré used his experience as former government agent as inspiration for novels. First during the Cold War era, including Tinker Tailor Soldier Spy, also adapted to the big screen, and now international terrorism. On the wake of 9/11 attacks people everywhere changed their perspectives. A Most Wanted Man deals with the good, the bad and the ugly of a globalized world after 2001.

The message is not uplifting. It’s in sync with the saying “the world is a rats race, rats won”. It depicts the knitty-gritty of politics, along the lines of Thomas Hobbes’ most famous work, Leviathan where men are driven by fear and only the strongest survives. Comparing Hobbes and Immanuel Kant’s opposite views, Günther is a lonely dreamer fighting for Perpetual Peace in the midst of a global State of Nature. A Most Wanted Man is a movie to make us reflect about humanity. It has memorable performances, and a clear directing vision translated from a strong novel. It’s a 5/5 away from Hollywood propaganda.

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El cine es curioso, algunos temas figuran más que otros, bien sean impulsados por intereses políticos o econónicos. El hombre más buscado es una buena película que se posicionaba hacia el renombre internacional, pero no logró figurar en la cartelera. Siendo un thriller de espionaje tenía relevancia en la Opinión Pública, lidia con organizaciones gubernamentales y el terrorismo. Más aún, figuras de Hollywood tienen la oportunidad de trabajar sus músculos actorales.

El hombre más buscado es la travesía de Issa Karpov (Grigoriy Dobrygin) como un refugiado político ilegal en Alemania. Günther Bachmann (Phillip Seymour Hoffman), el líder de una organización secreta gubernamental contra el terrorismo, busca redimirse luego de fracasar en una misión en el extranjero. Miembros del equipo de Günther incluyen a Irna Frey (Nina Hoss) y Max (Daniel Brühl). Annabelle Richter (Rachel McAdams) es una abogada de inmigración que se involucra con el caso de Issa, lo mismo le pasa al adinerado banquero Tommy Brue (Willem Dafoe). Otros personajes relevantes incuyen a Mohr (Rainer Boch) un alto oficial de seguridad alemana y Martha Sullivan (Robin Wright), miembro de la embajada estadounidense local.

Lo irónico del filme es que hay tres actores de Hollywood que adoptan el acento alemán, criticando la política y Estados Unidos. Han cogido notoriedad las figuras que se odian a sí mismos, canalizados muy sutilmente en este largometraje. Tanto Hoffman como McAdams se transformaron con esta forma de hablar particular y gruesa ropa de invierno. Günther está paranoico al cooperar con alguien ajeno a su equipo, por malas experiencias previas. Ejemplifica una persona hastiada de la hipocresía en las Relaciones Internacionales, donde a veces no hay diferencia entre oficiales del gobierno y terroristas. Cuando el mundo está tan convulsionado, algunos ponen en entredicho su integridad, cosa que carcome a idealistas como Günther. Las circunstancias lo han vuelto terco, tienen que hacerse las cosas a su manera o no se hacen del todo, pero su testarudez no impide que sus métodos funcionen. Cuando más personas se involucran en el caso, las cosas se van complicando.

Una cosa curiosa es que el personaje de Hoffman es tan desaliñado como él estaba justo antes de su prematura muerte. Los cigarrillos sin cesar y actitud obsesiva con el trabajo reflejan parte de su personoladad, siempre anti-estrella de Hollywood. Para Hoffman lo importante era darle veracidad al rol, incluso si ésto implicara descuidar su apariencia.

Como película, es un thriller cautivador con iluminación fría y solemne, apropiada para el espionaje. Cada escena agrega un pequeño trozo de información hasta que la vista se aclara. Sin embargo, nunca vemos la imagen completa, asumimos la resolución en base a la perspectiva de Günther. Hay esperanza por lo mejor, pero se espera lo peor. Esta producción refleja el género, aumentando la intensidad cada minuto como una vuelta de tuerca. Cuando las cosas se ponen difíciles, nadie está a salvo en este juego de engaños. Amigos es un término conveniente con fecha de vencimiento que cambia según los intereses.

El equipo creativo tiene personas de bagajes disímiles. Anton Corbijn es el director, cineasta holandés que ha hecho videos de rock y cuyo largometraje más reciente es El ocaso de un asesino (2010, protagonizada por George Clooney). Corbijn manejó con éxito la delicadeza del thriller. El guion está basado en la novela del mismo nombre de John Le Carré. Carré usó su experiencia como agente del gobierno de inspiración para las novelas. Primero con la época de la Guerra Fría, incluyendo a Tinker Tailor Soldier Spy, también adaptada a la gran pantalla; y ahora con el tema del terrorismo internacional. Con los ataques del 11/9, personas en todas latitudes han cambiado sus perspectivas. El hombre más buscado abarca lo bueno, lo malo y lo feo de un mundo globalizado después del año 2001.

El mensaje no es esperanzador, está alineado con el dicho “el mundo es una carrera de ratas, las ratas ganaron”. Muestra el quehacer sucio y cotidiano de la política, como en la obra famosa de Thomas Hobbes, Leviatán, donde el hombre se mueve por el miedo y sólo sobrevive el más fuerte. Comparando las perspectivas opuestas de Hobbes e Immanuel Kant, Günther es un soñador solitario luchando por la Paz Perpetua en medio de un Estado de Naturaleza global. El hombre más buscado es una película para hacernos reflexionar sobre la humanidad. Tiene interpretaciones memorables, una visión clara de su director, traducida de una novela fuerte. Es un 5/5 lejos de la propaganda de Hollywood.

Vivian Russo

IN THE HEART OF THE SEA: an average movie

The downside of having a solid film industry is overinformation. Every year hundreds of movies get made and only a handful of them are remembered in the long haul. In the heart of the sea combines familiar elements being good all around, but not enough to stand out. It’s reminiscent of Castaway and Life of Pi in different moments.

In the heart of the Sea tells the true story of the American whaling ship Essex in 1820 and how the events inspired the novel Moby-Dick, by Herman Melville (Ben Whishaw). The leads are Chris Hemsworth as First Mate Owen Chase, Benjamin Walker as Captain George Pollard, Cillian Murphy as Second Mate Matthew Joy, and Thomas Nickerson as the cabin boy (Young one is Tom Holland, old one is Brendan Gleeson).

The story is well told from two perspectives, Nantucket, MA in 1850 and the journey of the Essex in 1820. Gleeson attempts to give depth as narrator and witness. The quid of In The Heart of The Sea is the quarrel of two men, as stated by old Nickerson in the beginning. The whale is not the villain, merely a visual diversion. The rivalry between Captain and First Mate is what drives this movie. Moreover, it illustrates quite literally the consequences of a questionable authority in a ship, a lesson all filmmakers should remember. This conflict is human and timeless, giving substance to the movie beyond the theatrics at sea.

The depiction of the 1800’s is accurate, with the tragic implications of a primitive economy. The killing of whales for its oil took the life of many seaman. Since both direction and script are on point, congratulations are in order for Ron Howard and Charles Leavitt respectively. Howard is the director behind Apollo 11, A Beautiful Mind and Rush, among others. Leavitt is known for writing Blood Diamond. This movie has the typical digital quality and special effects. The look is sealed by the Cinematographer, Anthony Dod Mantle, who won the Oscar for his work on Slumdog Millionaire.

This movie is the reason some purists dislike the course of new filmmaking. While Tarantino and Nolan have advocated for shooting in 35mm film and old-school projection, Howard and his features oppose that vision. In The Heart of the Sea is ‘avant-garde’; Howard surrounds himself with the right team to achieve his desired look and includes technology in his production.

In The Heart of the Sea is a good movie but fails to transcend, being underwhelming next to the ton movies that are made every year. This century has raised the bar for good filmmaking and this one is 3.5/5.

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La desventaja de tener una industria del cine sólida es la sobreinformación. Cada año se hacen cientos de películas y sólo un puñado logra ser recordada a lo largo del tiempo. En el corazón del mar combina elementos familiares de El naúfrago y La vida de Pi en momentos diversos.

En el corazón del mar cuenta la historia real del barco ballenero Essex en 1820 y cómo los eventos inspiraron la novela Moby-Dick de Herman Melville (Ben Whishaw). Los actores principales son Chris Hemsworth como el Primer Oficial Owen Chase, Benjamin Walker como el Capitán George Pollard, Cillian Murphy como el Segundo Oficial Matthew Joy, y Thomas Nickerson como grumete (el joven es Tom Holland, y el viejo Brendan Gleeson).

Se cuenta la historia desde dos perspectivas, Nantucket Massachusetts en 1850 y el viaje del Essex en altamar en 1820. Gleeson trata de darle profundidad como narrador y testigo. El quid de En el corazón del mar es la pelea de dos hombres, como bien lo dice el viejo Nickerson en el principio. La ballena no es el villano, sino una distracción visual. La rivalidad entre el capitán y primer oficial es lo que mueve la película. Más aún, demuestra literalmente las consecuencias de una autoridad dividida en un barco. Esta lección sirve de analogía para la cinematografía y debe recordarla todo cineasta. El conflicto principal es humano y atemporal, dándole sustancia al filme más allá del teatro del mar.

El retrato de los 1800’s es fiel, con las implicaciones trágicas de una economía precaria. Matar a las ballenas para comerciar su aceite cobró la vida de muchos marineros. Siendo que tanto la dirección como el guion están acertados, se merecen un reconocimiento Ron Howard y Charles Leavitt respectivamente. Howard es el director de Apollo 11, Una mente brillante y Rush: pasión y gloria, entre otras. Leavitt es mejor conocido por escribir Diamante de Sangre. Esta película tiene la calidad típica del formato digital, sumado a los efectos especiales. El look lo sella el cinematógrafo, Anthony Dod Mantle, quien ganó el Oscar por su trabajo en ¿Quién quiere ser millonario?.

Esta película es la razón por la que algunos puristas rechazan el curso que está tomando el mundo del cine. Mientras que Tarantino y Nolan han defendido abiertamente rodar en 35mm y proyectarlo de la forma más clásica, Howard y sus largometrajes se oponen a esta visión. En el corazón del mar es vanguardista, Howard se rodea del equipo apropiado para lograr la pieza que desea e incluye tecnología en su producción. 

En el corazón del mar es una buena película pero no logra trascender, será enterrada bajo el abrumador volumen de películas que se hacen todos los años. Este siglo ha elevado los estándares de la imagen en movimiento, y esta pieza se queda atrás con un simple 3.5/5.

Vivian Russo

99 homes: Andrew Garfield’s comeback

After a few years of playing Spider-Man, Andrew Garfield is back with dramatic roles. Some say he didn’t do justice to the famous superhero. What is definitely true is that real conflicted characters in old-fashioned dramas suit him better. 99 homes puts him on the right career path, like his breakthrough The Social Network. This movie is not fast paced, but don’t mistake it for a boring one.

99 homes is the story of a single father, Dennis Nash (Andrew Garfiel) who starts working for the real-state tycoon, Rick Carver (Michael Shannon) who evicted him from his house. Co-starring are Laura Dern as Dennis’ mom, Lynn, and Noah Lomax as Dennis’ son, Connor. It’s directed by Rahmin Bahrani, who most recently did At Any Price, and has made a name for himself in the indie world.

This movie is a completely different role for Garfield, and one he pulls off so well. He conveys emotion from a young guy whose life has made him toughen up. The audience will feel sorry for him in more than one occasion. He doesn’t always make the right choice, but is always sympathetic to watch, like a true leading guy. In 99 homes, Michael Shannon completely opposes Garfield’s role, being the antagonistic character. It resembles the rocky relationship that Garfield’s Wardo had with Eisenberg’s Zuckerberg in The Social Network. Shannon has a reputation of a bully, after consecutive roles of villains, like Boardwalk Empire, Take Shelter, The Iceman, and Man of Steel. Intimidation comes naturally to Shannon, making him even more despicable.

99 homes is another success in the quiet but effective “industry” of independent filmmaking. It moves those who are willing to pay attention to the underlining message. It has a powerful script and performances, no special effects included. Ths is the kind of film that revives careers, you’re welcome Andrew.

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Después de varios años interpretando al Hombre Araña, Andrew Garfield ha retomado los roles dramáticos. Algunos dicen que no le hizo justicia al famoso superhéroe. Lo que sí es cierto es que personas de carne y hueso con dilemas le sientan mejor, en las clásicas películas dramáticas. 99 casas lo pone en el camino correcto para su carrera, tal como su papel de revelación en La red social. Esta película no tiene un ritmo acelerado, pero no debe confundirse con una aburrida.

99 casas es la historia de un padre soltero, Dennis Nash (Andrew Garfiel) que empieza a trabajar para el magnate de bienes raíces que lo desalojó de su casa, Rick Carver (Michael Shannon). Completando el elenco está Laura Dern como la mamá de Dennis, Lynn, y Noah Lomax como el hijo de Dennis, Connor. Está dirigida por Rahmin Bahrani, cuya película más reciente fue A cualquier costo, labrándose un nombre en el mundo del cine indie.

Esta película presenta un papel completamente diferente para Garfield, y uno que logra manejar muy bien. Transmite emoción típica de un muchacho joven cuya vida lo ha hecho tomar decisiones difíciles. La audiencia va a sentir lástima por él más de una vez. Aunque no siempre hace las mejores elecciones, uno siente empatía por él, como debe ser hacia cualquier protagonista. En 99 casas, Michael Shannon se opone completamente a Garfield, siendo el personaje antagonista. Imita la relación conflictiva del Wardo de Garfield con el Zuckerberg de Eisenberg en La Red Social. Shannon tiene fama de matón, después de papeles de villano consecutivos como en El imperio del contrabando, Tomar refugio, El hombre de hielo y El hombre de acero. La intimidación fluye naturalmente de Shannon, haciéndolo aún más despreciable.

99 casas es otro éxito en la silenciosa pero efectiva “industria” de cine independiente. Mueve a aquellos que están dispuestos a prestar atención al sub texto. Tiene un guión poderoso y buenas actuaciones, efectos especiales no incluidos. Este es el típico filme que revive carreras, a la orden Andrew.

Vivian Russo

Self/less: an attempted re-fried

The Sci-fi genre is the safe haven for all those geeks who like to explore what could happen. Some efforts are more fruitful than other; the most memorable include Star Wars and 2001: A Space Odyssey. In recent years visionaries have failed in the originality department, notably Nolan’s Interstellar. Self/less joins a large pile of average movies that will soon fall into oblivion.

Self/less is about the predicament of a wealthy businessman in NYC, Damien Hayes (Ben Kingsley), who is dying of cancer. To cheat death he attempts “shedding” by transferring his conscious self to a healthy and younger body. Damien tries to adjust to his new life as Edward (Ryan Reynolds), but constant visions make him question the true origins of his new body. Co-starring are Matthew Goode as Dr. Albright, Michelle Dockery as Claire, Natalie Martinez as Madeline Hale, Victor Garber and Derek Luke.

The movie was somewhat entertaining. It’s downplayed by what could’ve been. It’s not a film transcending the first time, you won’t want to own to watch over and over. Moreover, it lacks originality, resembling Face/Off (1997), Source Code (2011) and Limitless (2011). Self/less brings nothing new to the table in terms of the immortality dilemma.

There wasn’t enough confrontation between the old self, played by Kingsley and the new body host, Reynolds. This tension would’ve brought more substance to the drama. Everything seemed too predictable and artificial. The ending wasn’t believable either. The only good things it has, Reynolds’ innate charm and good photography from all the places it was shot at. The director is Tarsem Singh, whose filmography hasn’t lived up to its potential, from The Cell (2000) starring JLo, to Immortals (2011) and Mirror Mirror (2012). The director doesn’t have an original vision and focuses too much on replicating successful elements from other Hollywood movies.

The villain’s source of evil was not clear, one of the many plot loopholes. Self/less is a lazy 3/5.

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El género de ciencia ficción es el refugio para los geeks que les encanta explorar lo que pudiera suceder. Unos esfuerzos son más fructíferos que otros; los más memorables incluyen La guerra de las galaxias y 2001: Odisea del espacio. En años recientes incluso los más visionarios han fallado en originalidad, notablemente Nolan con Interestelar. Self/less se une a una larga pila de películas mediocres que caerán en el olvido pronto.

Self/less es sobre la disyuntiva de un empresario adinerado en Nueva York, Damien Hayes (Ben Kingsley), quien está muriéndose de cáncer. Para engañar a la muerte, trata de “mudar” su mente a un cuerpo sano y joven. Damien se trata de acostumbrar a su nueva vida como Edward (Ryan Reynolds), pero tiene visiones constantes que le hacen cuestionarse de dónde provino su nuevo cuerpo verdaderamente. También en el elenco están Matthew Goode como el Dr. Albright, Michelle Dockery como Claire, Natalie Martinez como Madeline Hale, Victor Garber y Derek Luke.

La película fue algo entretenida, se cae por lo que pudo ser. No va a trascender a primera vista, ni vas a querer tenerla para verla una y otra vez. Más aún, le falta originalidad, pareciéndose a Contracara (1997), 8 minutos para morir (2011) y Sin Límite (2011). Self/less brings nothing new to the table in terms of the immortality dilemma.

No hubo suficiente confrontación entre el viejo y el nuevo, Kingsley y Reynolds respectivamente. Está tensión le hubiera dado la sustancia necesaria al drama. Todo parecía predecible y artificial. El final fue igualmente inverosímil. Lo único bueno fue el encanto natural de Reynolds y la buena fotografía de todos los lugares donde se rodó. El director es Tarsem Singh, cuya filmografía no ha alcanzado su potencial, desde The Cell (2000) con JLo, hasta Immortals (2011) y Mirror Mirror (2012). El director no tiene una visión original, se enfoca demasiado en replicar los elementos exitosos de otras películas de Hollywood.

La razón de la maldad del villano no está claro, una de las muchas lagunas en la trama. Self/less es un flojo 3/5.

Vivian Russo

The Equalizer: another vigilante movie

When exploring the action genre, the vigilante approach is recurrent in filmmaking. Seems like in first world countries the creative people fantasize about doing justice beyond the law-enforcement system. Since the golden age of comics with Marvel and DC, super heroes have been a known figure. In recent years, the direction has been darker with flawed anti-heroes that draw away from usual stereotypes.

The Equalizer is about Robert McCall (Denzel Washington) a retired government special agent that gets involved with a criminal gang after befriending a teenage prostitute, Alina (Chlöe Grace Moretz).

Unlike some films of its kind, The Equalizer takes some time before the actual action starts. The first minutes are full of tension and build-up, hence the categorization of both action and thriller.

There’s a new fashion of middle-aged men in action films. From Sylvester Stallone and Arnold Schwartenegger, to Liam Neeson and now Denzel Washinton.

While The Equalizer has the efficient pace of a Hollywood well-oiled-machine, it doesn’t live up to modern cult hits like Taken. The latter will be a point of reference for a while, identifying a certain style and lines that make movies like this fall short. The perk of The Equalizer is that Denzel Washington is one of the best actors ever and he can make anything stand out, he’s a joy to watch; like the male counterpart to Meryl Streep. Moretz at just 18 years old, balances it out with Washington on-screen, being a true wunderkind.

The Equalizer is directed by Antoine Fuqua, the same one who worked with Washington on his Academy-Award-winner Training Day. The script sets the tone for a solid movie, but everything is predictable, bringing nothing new to the table. Even the villains’ nationality is nothing surprising, being Russian it reflects international relations in film. Like last year’s Jack Ryan: Shadow Recruit, The Equalizer was mostly disappointing.

Melissa Leo and Bill Pullman have some minor roles, but the main spotlight is for Washington. This is one of those cases where the focus on just one character is not good for the movie. In Taken we get a background to Brian Mills’ life, to get an idea as to why he is that way. Robert McCall’s mystery will bother more than one, the lack of personal detail makes it difficult to relate to him. Even in other genres, like drama, a solid character must never take away weight from the script, like recent masterpieces The Theory of Everything and Still Alice.

At times the action sequences became too cliched. The music didn’t match and the shots where trying too hard to make a statement. Even the pity factor was abused, depicting the Latino underdog as McCall’s friend. A vigilante movies that is still remembered is The Punisher, with John Travolta as the villain, being much better than The Equalizer. Another action flick that will remain in a pedestal is Fast & Furious.

If Taken made Liam Neeson a household name in Hollywood thanks to his “particular set of skills”, The Equalizer benefits from having Denzel Washington as its lead and will soon be forgotten, being 4/5.

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Cuando se explora el género de acción, el enfoque del vengador anónimo reaparece en el cine. Parece que en el primer mundo los creativos fantasean sobre hacer justicia más allá del sistema de leyes. Desde la era dorada de los comics de Marvel y DC, los super héroes han sido una figura conocida. En años recientes, la dirección ha sido más oscura con anti-héroes que se alejan de estereotipos al estar llenos de fallas.

El Justiciero es sobre Robert McCall (Denzel Washington) un agente especial del gobierno ya retirado, que se involucra con una banda de criminales al hacerse amigo de una prostituta adolescente, Alina (Chlöe Grace Moretz).

A diferencia de otras películas similares, El Justiciero toma tiempo para empezar la acción de verdad. Los primeros minutos están llenos de tensión, permitiendo la doble categorización de acción y suspenso.

Hay una nueva moda de usar hombres de mediana edad en películas de acción. Desde Sylvester Stallone y Arnold Schwartenegger, hasta Liam Neeson y ahora Denzel Washinton.

Aunque El Justiciero tiene el ritmo de una máquina bien aceitada típico de Hollywood, no le llega a los talones de hitos de culto como Búsqueda Implacable. Esta última seguirá siendo punto de referencia por un tiempo, identificando un estilo y parlamentos determinados, haciendo que otras se queden cortas. El añadido de El Justiciero es tener a Denzel Washington de protagonista, siendo de los mejores actores masculinos puede resaltar cualquier pieza, es una delicia ver sus interpretaciones, es como la contraparte masculina de Meryl Streep. Moretz logra mantenerle el ritmo a Washington con tan sólo 18 años de edad, es una niña precoz.

El Justiciero es dirigida por Antoine Fuqua, el mismo que trabajó con Washington en la ganadora del Oscar, Día de Entrenamiento. El guion marca un tono sólido para la película, pero todo es predecible, sin aportar nada nuevo. Hasta la nacionalidad de los villanos es esperada, al ser rusos reflejan las relaciones internacionales aplicadas al cine. Así como Jack Ryan: Código Sombra el año pasado, El Justiciero decepcionó.

Melissa Leo y Bill Pullman tienen papeles menores, dejando el estrellato para Washington. Este es uno de los casos donde concentrar en un personaje no es bueno. En Búsqueda Implacable dan información sobre la vida de Brian Mills life, para poder tener una idea de por qué es así. El misterio de Robert McCall le molestará a más de uno, la falta de detalle personal hace difícil sentir empatía. Incluso en otros géneros, como el drama, un personaje central no debe quitarle peso al guion, como obras maestras recientes, La teoría del todo y Siempre Alice.

Algunas veces las secuencias de acción rallaron en el cliché. La música no pegaba y las tomas se esforzaban demasiado por decir algo más. Hasta del factor lástima abusaron, con el desvalido Latino como amigo de McCall. Una película de vengador anónimo que todavía se recuerda es El castigador, con John Travolta como el villano, siendo mejor que El Justiciero. En el olimpo de la acción seguirá presente Rápido y Furioso.

Si Búsqueda Implacable hizo conocido en Hollywood a Liam Neeson por “set particular de habilidades”, El Justiciero se aprovecha como película de tener a Denzel Washington de protagonista, pronto será olvidada con un 4/5.

Vivian Russo

Gone Girl: nothing is as it seems

When a script surprises you in every turn, it’s very likely that the film is a good one. This shockers are particularly typical for thrillers, Gone Girl fits the genre completely, another notch in the belt for David Fincher and his successes.

Gone Girl tells the story of the disappearance of Amy Elliot-Dunne (Rosamund Pike) and how the investigation process unravels, pointing guilt to her husband Nick Dunne (Ben Affleck). It is based on the best-selling novel of the same name by Gillian Flynn, who also adapted the screenplay.

The narrative is very round, a well-oiled machine to best Hollywood style. Even with a predictable structure, the movie never seizes to surprise you. The Fincher-Flynn duo managed to innovate using a famous formula. The role of Pike is one of the best ones of the year.

That being said, it’s not a feel-good movie and a happy ending is not promised. It’s raw and ruthless, but astonishingly revealing of the human nature. It will likely leave the viewer with a bad taste. This fact can’t be confused with the quality of the film.

Gone Girl‘s narrative was stellar, a collaborative effort through flashbacks that give you glimpses, at first it’s only the tip of the iceberg. This is impressive work for Flynn, who’s a first time screenwriter. It’s very likely that Fincher helped her into the cinematographic world. Fincher’s vision shines through the whole time. It is one of the best of his work, a mix of The Social Network and The Girl with the Dragon Tattoo, it even reminded me of Steven Soderberg’s Side Effects. Gone Girl is one of the best of 2014, it was largely underestimated.

From the first shot we see a too perfect house where bad things are bound to happen. The lighting is also very beautiful, thanks to the cared aesthetic of Jeff Cronenweth, Fincher’s longtime collaborator. The disturbing feel follows the entire movie and impregnates the characters, who all revolve around Pike’s Amazing Amy, her Oscar nomination was well deserved.

Contrary to what people might believe, Gone Girl is surprisingly feminine, rooting for equality. In fact, the male roles are completely in Pike’s shadow, both Ben Affleck and Neil Patrick Harris. The only other who stood out was Carrie Coon, who plays Nick’s twin sister.

If The Social Network is one of the best films of the past decade with 5/5, Gone Girl is pretty close with 4.5/5.

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Cuando un guion te sorprende a cada momento, es probable que la película sea buena. Estos pedazos impactantes son particularmente típicos en el suspenso, Perdida encaja perfectamente en el género, una conquista más para la filmografía de David Fincher.

Perdida cuenta la historia de la desaparición de Amy Elliot-Dunne (Rosamund Pike) y cómo evoluciona la investigación, sugiriendo culpa en su esposo Nick Dunne (Ben Affleck). Está basado en la exitosa novela homónima de Gillian Flynn, quien también adaptó el guion.

La narrativa es redonda, una máquina bien aceitada al mejor estilo de Hollywood. Incluso con una estructura predecible, la película no deja de sorpender. La dupla Fincher-Flynn se las ingenia para innovar usando una fórmula famosa. El papel de Pike es de los mejores del año.

Con esto establecido, no se promete un final feliz ni sentimientos agradables al verla. Es cruda y despiada, pero increíblemente reveladora sobre la naturaleza humana. Es probable que deje al espectador con un mal sabor en la boca. No se puede confundir esto con la calidad fílmica de la pieza.

La narrativa de Perdida fue estelar, un esfuerzo compartido contado a través flashbacks que te dan pequeños vistazos, comienza con la punta del iceberg. Este efecto es sorprendente en Flynn, que es primera vez que escribe un guion cinematográfico. Es muy probable que Fincher la haya ayudado a empaparse del medio. La visión del director sale a relucir todo el tiempo. Es una de sus mejores obras, mezclando La red social y La chica del dragón tatuado, incluso recordando a Efectos secundarios de Steven Soderberg. Perdida es de lo mejor de la taquilla de 2014, fue altamente subestimada.

Desde la primera escena se ve una casa demasiado perfecta donde se espera que pasen cosas malas. La iluminación está hermosa, gracias a la estética cuidada de Jeff Cronenweth, el colaborador fiel de Fincher. La sensación perturbadora es el hilo conductor de la película e impregna a sus personajes, todos girando en el eje de la Amazing Amy de Pike, su nominación al Oscar está bien merecida.

Contrario a lo que muchos pueden pensar, Perdida es femenina, abogando por la igualdad de género. Incluso opaca los papeles masculinos, ellos se mantienen en la sombra de Pike, tanto Ben Affleck como Neil Patrick Harris. La única otra que resalta es Carrie Coon, que interpreta la hermana gemela de Nick.

Si La red social es de las mejores películas en la última década con 5/5, Perdida está cerca con 4.5/5.

Vivian Russo

Non-stop: the perfect combo of action and thriller

An actor can get typecasted into a role, for example Tom Cruise after films like the Mission: Impossible franchise. Liam Neeson has begun to be identified as an action figure too after the epic Taken (2008), and aftermaths like Unknown, The A-Team, The Next Three Days and Christopher Nolan’s Batman. Contrary to Cruise, Neeson has the physicality required for that archetype and that’s partly why he’s been successful. This case of typecasting has been benefitial to Neeson.

Non-Stop tells the story of an Air Marshal, Bill Marks (Neeson) that receives mysterious messages while on a flight from New York to London. There’s a passenger on the plane that threatens to kill someone every 20 minutes unless there’s 150 million dollars deposited to an account. It turns out that it’s opened to his name, leading TSA to think he’s hijacking the plane. As he battles through the air he encounters the help of fellow passenger Kat Summers (Julianne Moore), and flight attendants Nancy (Michelle Dockery) and Gwen (Lupita Nyong’o).

This is one of those movies that you’ll have to watch more than once to fully understand it, the ending will leave you spinning. The pace is so fast, yet so slow; some very tense moments with great music but afterwards you feel as if it was only 5 minutes long.

The director is Jaume Collet-Serra, the spanish filmmaker who previously worked with Neeson in Unknown (2011). Collet-Serra has also done The House of Wax (2005) and Orphan (2009). The producers are Joel Silver, Alex Heineman, Steve Richards, Andrew Rona. Silver is the man behind Lethal Weapon and Die Hard, he created the production company Silver Pictures. The screenwriters are John W. Richardson, Chris Roach and Ryan Engle. After this heavy-weights in the action genre, you can expect a high quality movie.

Liam Neeson showed some depth to this character that we haven’t seen before in other action-packed flicks. It’s not more of the same. You’ll appreciate that he’s doing more of what he’s good at, as the saing says: “if it’s not broke don’t fix it”. Seems like Hollywood noticed that he and Julianne Moore have great chemistry, they paired them together again after Chloe (2009). The rest of the cast is great too, nice to see some new faces like Dockery and Nyong’o, they delivered.

If you think you can predict the ending of this movie, think again. As much as I tried to guess who was behind the phone, it was impossible. Until the very end it will keep you on the edge of your seat. This film is a great mix between a good script, first class actors and a memorable soundtrack. It shows off on some of the action sequences of technology, it couldn’t have been made in the previous century. Taken still remains as the best film Neeson’s made after Spielberg’s Schindler’s List, but Non-Stop is a close second. If Taken is 5/5, this one is 4.5/5.

Vivian Russo

Gravity: the result of good effects and directing

There are many kinds of thrillers, this one is about science-fiction, specifically space. Giving the setting it’s very hard to shoot. It could be one of those cases where the effects are either too much or not believable. This is not one of those times. Congrats to Tim Webber for his work on that department. The other responsible for it is Alfonso Cuarón, who manages tension throughout the entire film.

Gravity is about an engineer, Ryan Stone (Sandra Bullock) that’s doing a routine check up on a NASA space shuttle with a veteran astronaut, Matt Kowalski (George Clooney). Things get complicated when they’re showered by space waste, product of a Russian missile launch nearby. Both characters lose contact with their base and must find a way to get to the nearest shuttle with the little oxygen they have left.

Story-wise, it’s a very simple plot. It gets tricky when you want to film it. It takes a lot of skill from a director and special effects coordinator to find a set and turn it into outer space. On the other hand, actors deal with strange conditions; little people on the cast, not a lot of dialogue, lack of gravity. One thing’s for sure, they can’t be claustrophobic.

I see why there was such a buzz surrounding Cuarón’s execution and Bullock’s performance. Basically, they’re the ones that single-handedly pull of the entire movie.

By the trailer and this explanation it sounds like a very boring movie, but it wasn’t. I enjoyed it very much, and I’m not a sci-fi fan, not even close.

This is one of those cases when a simple storyline can work with the right actors and directors. It reminds me a bit of Black Swan (2010), that got attention precisely for that. I smell another Oscar nomination for Sandra Bullock. Cuarón got that Globe very well deserved, this movie will make him a household name.

The tension is on point the whole time, from beginning to end. It has its peaks without ever being too much, you never stop with it. This is aided by the great film score. Kudos to Steven Price for the music. The length was great, 90 minutes. It’s definitely not a Spielberg or Scorsese movie, just by that you can tell. The only thing is I would’ve liked is a more conclusive ending, you’ll understand it when you see it.

Gravity is written, produced and directed by Alfonso Cuarón. He gets aid in the script from his son Jonás, and in production from David Heyman, with whom he did the third Harry Potter movie back in 2004. This is a movie that makes you feel grateful for the century we live in, where technology can be put to good use; I’m proud to belong to that generation. The verdict is 4.5/5.

Vivian Russo