Comedy

LA LA LAND: a cinematic masterpiece beyond the musical

| vivianrusso13

La La Land Movie PosterLa La Land is an eclectic mix for those who enjoy Independent (indie for short) filmmaking. This niche has quiet and intimate storytelling. Damien Chazelle has managed another hit after his last feature film, Whiplash. Emma Stone & Ryan Gosling dazzle as triple threats. It has emotion, charm and power. The ending in La La Land is shocking, to say the least. This film dwells on the “what ifs” in life. Being so unique and well-executed it’s at the top of this year’s films.

La La Land explores the lives of Mia Dolan (Emma Stone), an aspiring actress, and Sebastian Wilder (Ryan Gosling), a struggling jazz pianist; how they relate to one another in the backdrop of Los Angeles. Mia & Sebastian engage in a relationship in the midst of the City of Stars. John Legend co-stars as Sebastian’s friend, Keith, Rosemarie DeWitt is Sebastian’s sister, Laura. J.K. Simmons also appears with a small but relevant role.

Damien Chazelle’s storytelling is all-encompassing and compelling, both writing and directing. From the very first shot you’re mesmerized. The tools are very disparate but work when put together. It has singing and dancing, but doesn’t feel like a typical musical. This artistic outbursts serve as a way to release tension and move forward with the story. There’s both drama and comedy. The plot twists have a common threat, the opening flash-mob with average people, to the first meet-cute of the main characters. We get the big picture, then her and his perspective in detail, all tying it back to them together. With this technique we reveal the iceberg slowly. By the end of it, the message of the filmmaker is there, waiting for the viewer to interpret it. Without any spoilers, this resolution is bittersweet for the idealists. It will leave you dumbfounded because you don’t see it coming.

The soundtrack is another essential element. Justin Hurwitz composed an extra special score. The main theme combines timeless classic with contemporary appeal, making it catchy. It’s so good that it grounds you every time it comes on. Another common threat. Fred Berger, Jordan Horowitz, Gary Gilbert and Marc Platt serve as Producers, nailing what must’ve been a logistics nightmare, like coordinating larger than life musical numbers. Among the accomplishments of this production is the single-take approach on many sequences, shooting in widescreen CinemaScope straight out of the 50s, and using natural lighting during the elusive “magic hour”. Tom Cross edits another movie by Chazelle, after winning an Oscar two years ago for Whiplash. It’s possible he’ll get an encore on that category.

Chazelle filled this piece with nostalgia. The costumes seem vintage, same with cars. The retro touch makes it not your average 21st century setting. Moreover, adding to the paradigm of wanting time to stand still and trying to advance in life. Using this elements of old age cinema, La La Land is on a completely higher level than the rest of the films of 2016. How many of them used a live orchestra for their soundtrack?

Emma & Ryan’s chemistry jumps off the screen. After working together in three occasions, they feed off each other. Stone’s beauty is different, she’s poised, charming, elegant, witty and magnetic. On the other hand, Gosling’s attractiveness is complemented with his ability to transmit emotion even when there’s silence. At one point it’s possible to draw a comparison with The Notebook, because there’s a similarity in time-frames. This fact only makes us feel for Ryan’s character even more.

La La Land as a movie proves that you can “have your cake and eat it too”, flawless all-around. Visually captivating yet with a strong message. It draws from past hits like Singing in the Rain and the duo of Fred Astaire & Ginger Rogers, yet it’s capable of standing on its own. We leave the theater deep in thought, wondering what success really is and if it’s really worth it after all. A movie that is capable to arouse such a complex response is more than deserving of praise. When you have tears, laughter, music and glamour, you create the heady cocktail that is La La Land, a magnum opus with a 5/5.

La La Land es una mezcla ecléctica para los que disfrutan del cine Independiente (Indie abreviado). Este nicho cuenta historias de una forma más íntima y personal, lejos de la industria masiva hollywodense. Damien Chazelle ha logrado dos éxitos seguidos, luego de Whiplash (2014). En esta ocasión Emma Stone y Ryan Gosling deslumbran como una triple amenaza, llenan la pantalla de emoción, encanto y fuerza. El final en La La Land impactará a más de uno. Este largometraje se explaya en los “y si…” que harían nuestra vida diferente. Siendo tan única y bien ejecutada es lo mejor que se ha estrenado en este año que concluye (2016).

La La Land explora las vidas de Mia Dolan (Emma Stone), aspirante a actriz, y Sebastian Wilder (Ryan Gosling), un pianista de jazz luchando por hacerse un nombre, y cómo se relacionan en Los Ángeles, mejor conocida como “la ciudad de las estrellas”. John Legend co-protagoniza como el amigo de Sebastian, Keith, Rosemarie DeWitt es la hermana de Sebastian, Laura. J.K. Simmons también aparece brevemente en un momento relevante.

Damien Chazelle cuenta historias de forma envolvente e irresistible, tanto en el guion como en la dirección. Desde la primera toma quedas hipnotizado. Se vale de herramientas muy diversas que funcionan al usarse en conjunto y de la forma indicada. Cantan y bailan, pero no es el típico musical, las explosiones artísticas sirven para aliviar la tensión y avanzar en la historia. Hay tanto comedia como drama, los giros en la trama tienen hilos comunes: como por ejemplo, el flashmob con el que abre la película, y el primer encuentro entre los personajes principales. Vemos el plano general, nos adentramos en el punto de vista de ella y luego de él, para luego unirlo todo y seguir. Esta técnica revela el iceberg poco a poco. Cuando estamos al final, el mensaje del cineasta está expuesto en pantalla, esperando que el espectador lo interprete. Sin revelar nada importante, se puede decir que el desenlace será agridulce para los idealistas. Te quedarás anonadado al salir de la sala por este golpe que salió de la nada.

La banda sonora es otro elemento esencial, compuesta por Justin Hurwitz. El tema principal combina lo clásico y atemporal con el atractivo de lo contemporáneo, siendo extremadamente pegajosa. Es tan buena que cada vez que aparece en pantalla te conecta con la base de la película. Éste es otro hilo conductor. Fred Berger, Jordan Horowitz, Gary Gilbert y Marc Platt son los productores, haciendo una magnífica labor al cordinar lo que debio ser una pesadilla logística con números musicales más grandes que la vida misma. Entre las hazañas de producción está; filmar estilo plano secuencia con pocos cortes, rodar usando el formato CinemaScope sacado de los 50s, y usar la luz natural durante la escurridiza “hora mágica”. Tom Cross edita otra pieza de Chazelle, luego de haber salido victorioso en los Oscar hace 2 años con Whiplash. El panorama indica que sería posible repetir una estatuilla en esta categoría.

Chazelle llenó su filme con nostalgia; el vestuario parece de época, al igual que los carros. El toque retro hace diferente a la ambientación de un plató típico del siglo 21. Es la vuelta de tuerca a la dicotomía de querer detener el tiempo, y a la misma vez buscar avanzar en la vida. Al rescatar estos elementos de la Era de Oro del cine, La La Land está en un nivel superior que el resto de los largometrajes de 2016. ¿Cuántos de ellos usaron una orquesta en vivo para grabar la banda sonora?

La química entre Emma y Ryan salta de la pantalla, solidificada al haber trabajado juntos en tres ocasiones. Se alimentan de los talentos del otro. La belleza de Stone es diferente, tiene porte, encanto, elegancia, además de ser ocurrente y magnética. Por el otro lado, lo apuesto de Gosling es complementado por su capacidad de transmitir incluso cuando no hay diálogo. En cierto momento es posible comparar esta pieza con The Notebook, porque comparten similitudes en cuanto al tiempo que transcurre. Este hecho nos hace sentir todavia más empatía por el personaje de Ryan.

La La Land como película prueba que “puedes tener tu torta y comértela también”, impecable desde todo punto de vista. Cautivante visualmente y a la vez con un mensaje sólido de fondo. Se inspira en éxitos pasados como Singing in the Rain y el dúo de Fred Astaire y Ginger Rogers, sin embargo, es capaz de sostenerse por sí sola. Salimos de sala con reflexiones filosóficas, nos preguntamos qué es el éxito verdaderamente y si vale la pena despues de todo. Un largometraje que es capaz de despertar una reacción tan compleja es más que merecedora de alabanza. Cuando tienes lágrimas, risas, música y glamour, creas el embriagador cóctel que es La La Land, una obra maestra con 5/5.

Vivian Russo

TROLLS: the depth of animated movies

| vivianrusso13

Most people look at an animation film as strictly made for kids. When you have a story like the one in Trolls there’s much more, all you have to do is dig a little deeper. You have a female lead who values friendship and positivity, with other characters who alongside her defy what it means to be ‘beautiful’. It breaks the mold of our body shaming society.

Trolls is the story of the eponymous little creatures, lead by Poppy (Anna Kendrick) and Branch (Justin Timberlake), who try to save its species from extinction at the hand of evil Bergens, who celebrate eating trolls on a holiday to be happy.

Most characters embrace difference with a peaceful brotherhood, adding to the mix the power of music. Our feelings and skills are what makes us stand out, not the way we look. This profound message is what our kids should be exposed to. With more movies like Trolls, there’s hope for a less shallow generation.

Justin Timberlake has expanded his genius skills, venturing as Executive Producer, besides serving as Musical (mastermind) Director. He’s the creative force behind the perfection in Trolls. The soundtrack is eclectic yet catchy. The lyrics fit every scene they’re in. It’s a balance of classics and contemporary music. It’s redeeming for all-time favorites with a modern flavor. Between this exquisite cocktail also fits Timerlake’s original composition, “Can’t Stop the Feeling”. The soundtrack shows that it’s possible to harmonize tradition with innovation.

Trolls’ success is a no-brainer. It has a good story told through a colorful medium and the universal language of music. The script is witty, balancing between comedy and emotion. It’s on its way to the 2017 Oscars, no doubt. A perfect 5/5.

La mayoría de las personas ven una película animada como un producto hecho estrictamente para niños, cuando la realidad es que la historia de Trolls es mucho más. Sólo hay que tener la paciencia de mirar más allá de las apariencias. Tenemos un personaje principal femenino que valora la amistad y el positivismo, con otros personajes a su lado que se oponen al concepto clásico de ‘belleza’. Rompe el molde de la sociedad en la que vivimos, siempre obsesionada por tener un cuerpo ‘perfecto’..

Trolls cuenta la historia de las criaturas del mismo nombre, lideradas por Poppy (Anna Kendrick) y Branch (Justin Timberlake), quienes tratan de salvar su especie de la extinción a manos de los malvados Bergens, quienes celebran anualmente una ceremonia en la que comen para ser felices.

La mayoría de los personajes aceptan las diferencias con una hermandad pacífica, sumando a la ecuación una música extraordinaria. Nuestros sentimientos y habilidades son lo que nos hace resaltar, más allá de nuestra apariencia física. Este mensaje profundo es a lo que deberían estar expuestos nuestros niños. Si se hicieran más películas como Trolls, tendríamos una generación menos superficial.

Justin Timberlake alcanzó otro nivel de genialidad, sirviendo como Productor Ejecutivo de este filme, además de ser el Director Musical (mente maestra). Él es la fuerza creativa que le da la perfección a Trolls. La banda sonora es ecléctica y pegajosa, las letras de cada canción encajan con la escena en la que se encuentran. Es un balance de lo clásico y lo contemporáneo, redimiendo favoritas de todos los tiempos con un toque moderno. En medio de este exquisito cóctel se encuentra la composición original de Timerlake, “Can’t Stop the Feeling”. Esta banda sonora es prueba viviente que se puede haber armonía entre tradición e innovación.

El éxito de Trolls no es de sorprenderse. Tiene una buena historia contada a través de un medio muy colorido y valiéndose de la música, un lenguaje universal. El guion es ocurrente, variando entre comedia y emoción. Está bien encaminada rumbo a los Oscars de 2017, no queda duda. Un perfecto 5/5.

Vivian Russo

My Big Fat Greek Wedding 2: commercial but efficient

| vivianrusso13

Whenever a movie is mildly successful, there’s talk about making a sequel. The box office right now shows how people go crazy for superhero movies time and time again. My Big Fat Greek Wedding was released in 2002, it became a sleeper hit and a universal cultural reference; 14 years later comes the sequel. Showing tat filmmaking is a business, always squeezing the last penny. To get it right the dream team from the first one just had to re-unite, and for that alone this movie was worth making.

My Big Fat Greek Wedding 2 takes place a few vintages from when we last saw our favorite cinematic family. Toula Portokalos-Miller (Nia Vardalos) and Ian Miller (John Corbett) are focused on their teenage daughter, Paris (Elena Kampouris), who is about to go to college. While Toula is trying to juggle being a mother, wife and daughter within her picturesque family, another Greek Wedding begins to happen, bringing the family (further) together once again. To the sequel return the beloved Kostas “Gus” Portokalos (Michael Constantine), Maria Portokalos (Lainie Kazan), and Aunt Voula (Andrea Martin).

This is a case of a squeaky-clean film fit for the whole family. It asks the burning questions in modern society, answering them in a wholesome way. It’s one of the few positive references of a family. Which is an achievement, promoting values scarce nowadays.

Cinematically, the original tends to be better than sequels, just because it can be understood as a story of its own. Nevertheless, as franchises go, this is as good as it gets. The self-reference and jokes are inevitable, repeating a successful formula. This witty lines include Windex, the origin of a word, and Aunt Voula’s blunt remarks; it delivers everything the trailer promises. My Big Fat Greek Wedding (the first one) is in the Olympus of comedies, no pun intended. It conveys both laughter and tenderness, opposites that aren’t usually in one film.

MBFGW 2 is a powerful combination in the midst of hollow commercial comedies. At the heart of this film is Michael Constantine, whose charm jumps off the screen. His performance was as memorable as the one before. His acting chops haven’t weakened despite being almost 90 years old. The other powerhouse is Andrea Martin (Aunt Voula), whose dynamism knows no bounds; if comedy was an Olympic sport, Andrea would have a gold medal. She’s the outspoken Aunt that loves to embarrass us often, but we can’t help but love. Another important character is the Grandmother (Bess Meisler), an elderly lady that transmits by doing little. Andrea Martin hasn’t aged in 14 years, which can’t be said of Bess or Michael.

The audience will enjoy the closure of beloved characters from the first installment, we see grand-kids mimicking Grandpa Gus, and we also discover more about Toula’s cousins. Its America’s Favorite On-Screen Family since The Brady Bunch. The message of these films are to embrace your roots and appreciate your heritage. It has resonance with people of different backgrounds. It’s about loving your nosy and obnoxious family, because that’s how they say “I love you and I care”. If the audience didn’t see the first MBFGW, this one won’t be as enjoyable. So don’t bother with just the sequel, you’ve skipped a generation.

There’s consistency in every aspect of this sequel, a trait appreciated in a franchise. The tone is similar with actors, music, locations, wardrobe and even style to show the credits. Sometimes there’s repetition to old issues, the copycat-ness backfires when it just repeats a dichotomy that the first one solved. Extremes are counterproductive, which is why some creative license is needed to have a round storytelling in a film, while still holding similarity with the environment. This is just a minor downside in the midst of laughter and tenderness.

The creative team has a lot of passion, starting with Nia Vardalos herself who wrote both scripts based on her own Greek family. The director this time is Kirk Jones (Nanny McPhee, Everybody’s Fine), a generation younger than the previous one, Joel Zwick. The takes had to included several characters at once, with plenty of assembly shots. The dynamic pace is thanks to short sequences that keep on changing, never staying too much on a scene. The color palette includes rich color and warm lighting, typical of the comedy genre. The producers are the same in both feature films, Gary Goetzman, Rita Wilson and Tom Hanks, under Playtone, Gold Circle Films and HBO Films. This is the kind of consistency and heart needed to make a movie thrive. It’s an effective storytelling within a commercial business, a balance rare in Hollywood these days.

When comic book adaptations become so common, is that heartfelt comedies like this are all the more necessary. In its subtle funny way, it can never teach our society enough. MBFGW2 is a 4.5/5, only behind its predecessor (My Big Fat Greek Wedding 5/5).

Cuando una película tiene cierto éxito, hay disucsión sobre hacer una secuela. Con mirar la taquilla actual se observa cómo la gente enloquece por películas de superhéroes una y otra vez. Mi gran boda griega se estrenó en 2002, convirtiéndose en un éxito silencioso y una referencia cultural universal; 14 años después llega la secuela. Ésta demuestra que el cine es un negocio, donde quieren sacarle jugo hasta el último centavo. Pero acertaron al reunir el dream team de la primera, sólo por esta reunión valió la pena hacer la película.

Mi gran boda griega 2 toma lugar unas cuantas cosechas después de la última vez que vimos a nuestra familia ficticia favorita. Toula Portokalos-Miller (Nia Vardalos) e Ian Miller (John Corbett) están enfocados en su hija adolescente, Paris (Elena Kampouris), quien está a punto de ir a la universidad. Mientras Toula trata de combinar sus labores de madre, esposa e hija dentro su familia pintoresca, otra boda griega empieza a suceder, reuniendo (aún más) a la familia. A la secuela regresa Kostas “Gus” Portokalos (Michael Constantine), Maria Portokalos (Lainie Kazan), y la Tía Voula (Andrea Martin).

Esta película es apta para el disfrute de toda la familia. Se plantea las interrogantes típicas de la sociedad moderna, y las responde con mucha integridad. Es una de las pocas referencias positivas de un grupo filial, siendo un logro de por sí el promover los valores que tanto escasean.

Cinematográficamente, la original tiende a ser mejor que sus secuelas, sólo porque la historia se sostiene por sí sola. Sin embargo, en lo que respecta a franquicias, esto es lo mejor que se puede lograr. La auto-referencia y bromas son inevitables, al repetir una fórmula exitosa. Los parlamentos ocurrentes incluyen Windex, el origen de una palabra y los comentarios sin filtro cortesía de la Tía Voula. Logra todo lo que promete el tráiler. Mi gran boda griega (la primera) está en el olimpo de las comedias, sin intención de doble sentido. Transmite tanto risas como ternura, opuestos que no siempre están en una misma historia.

MGBG 2 es una combinación poderosa en medio de comedias vacías y fabricadas. En el corazón de este filme está Michael Constantine, cuyo carisma salta en la pantalla. Su interpretación esta vez fue tan memorable como la anterior. Sus abilidades como actor no se han debilitado al envejecer. La otra actriz que se roba el show es Andrea Martin (Aunt Voula), cuyo dinamismo no tiene límites; si la comedia fuera un deporte olímpico, Andrea tendría una medalla de oro. Interpreta a la tía honesta que le encanta avergonzarnos con frecuencia, pero que no podemos evitar amar. Otro personaje importante es la Abuela (Bess Meisler), una mujer de casi 100 años que transmite haciendo muy poco. Andrea Martin no ha envejecido en 14 años, no puede decirse lo mismo de Bess o Michael.

A la audiencia le encantará cerrar el ciclo que viene desde la primera con estos personajes tan queridos. Vemos a los nietos imitando a su abuelo y conocemos más detalles de los primos de Toula. Es la familia favorita de EEUU desde los Brady en los 70s. La enseñanza de ambas películas es aceptar tus raíces y apreciar tus orígenes. Resuena con personas de distintas procedencias, no sólo griegos. Es sobre amar a tu, a veces entromedita o molesta, familia, porque así es como te dicen “te quiero y me importa”. Si la audiencia no vio la primera MGBG, ésta no será disfrutada como se merece. No se molesten en ver la secuela nada más, se han saltado una generación.

La consistencia permea todos los aspectos de esta secuela, un rasgo deseable en una franquicia. El tono se mantiene tanto en actores, como música, locaciones, vestuario y hasta el estilo de los créditos. La consistencia es tal, que a veces se repiten viejos problemas, la similitud literal falla cuando se repite una dicotomía que la primera ya resolvió. Los extremos son contraproducentes, por lo que deben haber ciertas licencias creativas para que el storytelling sea redondo en una película, siempre manteniendo similitudes con la original. Ésta es una pequeña falla en medio de risas y ternura a borbotones.

El equipo creativo tiene la pasión necesaria, empezando con Nia Vardalos que escribió ambos guiones en base a su propia familia griega. El director de la más reciente pieza es Kirk Jones (Nanny McPhee, Están todos biem), una generación más joven que el anterior, Joel Zwick. Las tomas debían acomodar a varios personajes, con bastantes planos conjunto. El ritmo dinámico se establece gracias a secuencias cortas que van cambiando, nunca se queda demasiado en una misma escena. La paleta de colores es rica con una iluminación cálida típica del género de comedia. Los productores también son los mismos en ambos largometrajes, Gary Goetzman, Rita Wilson y Tom Hanks, bajo las productoras Playtone, Gold Circle Films y HBO Films. Esta es la consistencia deseada para que una película tenga corazón y éxito. Es una historia eficiente dentro de un negocio comercial, un balance rara vez logrado en el Hollywood estos días.

Cuando las adaptaciones de cómics se hacen tan comunes, es que la comedias con corazón se vuelven maá necesarias. Con sus sutilezas, nunca paran de ensñarle a nuestra sociedad. MGBG2 es un 4.5/5, sólo detrás de su predecesora (Mi gran boda griega 5/5).

Vivian Russo

THE BIG SHORT: when tragedy becomes funny

| vivianrusso13

Adam McKay is a filmmaker with solid work in the comedy world, often associated with Will Ferrell. In The Big Short, McKay expands his horizons as a director, delivering a universal film, that maintains laughter but within a real subject. With an ensemble cast he addresses the origin of the 2008 Financial Crisis in a simple way, understandable for everyone. McKay also adapts the screenplay from Michael Lewis’ book of the same name.

The Big Short is about the credit bubble that brought about crisis in the housing market. Michael Burry (Christian Bale) is a doctor and hedge fund manager that discovers the instability with high-risk loans, so he bets against the housing market. When Burry creates new opportunity, Jared Vennet (Ryan Gosling) a bond salesman, bets against the market as well. Along the way, Mark Baum (Steve Carell), another hedge fund manager, gets involved in investing against the American economy. Young investors Charlie Geller (John Magaro) and Jamie Shipley (Finn Wittrock), and retired banker Ben Rickert (Brad Pitt), also get involved in the plot. Marisa Tomei and Melissa Leo have supporting roles.

The main male characters (appearing on the poster) share the common trait of insanity, with different variations. Michael is socially awkward and unlikely rock fan, Mark is neurotic and has no filter, Jared is authoritatively funny and outspoken, and Ben’s experiences have made him melancholic but wise. Adam McKay’s most notable movie was Anchorman, with Will Ferrell, making a very specific kind of comedy that appeals to a niche withing Americans. McKay took a risk when making The Big Short, trying to depict something so far off his comfort zone. But it paid off.

When it comes to the economical crisis, another movie that shares a similar theme was The Wolf of Wall Street (TWOWS). Only that Martin Scorsese’s approach was to fill up the audience with obscene imagery; his message was the dangers of greed through Jordan Belfort’s outrageous excesses. TWOWS was too graphic and raw; making it indigestible to the average viewer. The Big Short is the complete opposite, a comedy with satire and irony addressing a complex subject successfully. Among the highlights of this film is the explanation resource, where several pop culture figures appear as themselves explaining tricky terms with easy examples. Most notably, Margot Robbie in a bathtub, Selena Gomez in a casino and chef Anthony Bourdain in his kitchen. McKay doesn’t lack inventive.

The movie takes cinematic liberties as tools to transmit its message. It includes a lens that goes in and out of focus on a character’s face, people looking straight into the camera and talking to the audience. It’s very unique that a narrator also appears on camera and point-blank addresses the viewers. Another nice touch was definitions on-screen like a dictionary to provide context on a certain moment. When the lines between fiction and reality get blurry is that things become interesting. The veil was lifted from the classical dramatic movie, making it a very rich melting pot. By borrowing the interview and narration elements from documentaries it redeems the underestimated genre. Since this is based on a non-fiction book, it’s fitting to play around. Michael Lewis is no stranger to true stories, having previously wrote The Blind Side and Moneyball.

The shots are usually short and shift around the various character’s office, making it dynamic with quick camera movements. Established Hollywood actors get to play different roles, which is always nice. Bale, Carell, Gosling and Pitt were all stellar in their own way. One can’t help but draw a parallelism between Carell and Gosling’s past collaboration, Crazy Stupid Love; these two have a bromance that light up the screen. Marisa Tomei also reunites with former co-stars.

As witty as the dialogues are, you will end with a bitter taste in your mouth, due to real world injustices. We don’t know for sure who are the bad guys, and those who appear to be villains get away with it. It’s about what a group of underdogs can do to shake the system. We relate to these flawed characters and are rooting for them, even though it’s not beneficial for the big picture. The Big Short addresses the interesting nuances in humans, wanting something wrong while trying to achieve justice. All of this is done in a pleasant way where you never get bored. Being one of the best features of 2015 it’s a 5/5.

Adam McKay es un cineasta de labor consolidada en el mundo de la comedia, usualmente asociado a Will Ferrell. En La gran apuesta, McKay expande sus horizontes como director, logrando una película universal en el mismo tono de risas pero dentro de un contexto real. Con un rompecabezas de elenco logra explicar el origen de la crisis económica de 2008 de forma simple y que todos pueden entender. McKay adaptó el guion, junto a Charles Randolph, del libro del mismo nombre de Michael Lewis.

La gran apuesta es sobre la burbuja de crédito que devino en la crisis del mercado inmueble en EEUU en 2008.  Michael Burry (Christian Bale) es un doctor y gerente de fondos de riesgo que descubre la inestabilidad y los numerosos préstamos añadidos, por lo que decide apostar en contra del mercado inmueble. Cuando Burry crea esta nueva ventana en el mercado, Jared Vennet (Ryan Gosling) un vendedor de bonos, decide apostar en contra el mercado inmueble también. En el camino, Mark Baum (Steve Carell), otro gerente de fondos de riesgo, se involucra en el riesgo en contra de la economía americana. Aparecen también los jóvenes inversionistas Charlie Geller (John Magaro) y Jamie Shipley (Finn Wittrock), junto al banquero retirado Ben Rickert (Brad Pitt). Marisa Tomei y Melissa Leo tienen papeles secundarios.

Los personajes masculinos principales (que aparecen en el poster) tienen en común el rasgo de la locura, con diferentes variaciones. A Michael le cuesta socializar y es un fanático del rock, Mark es neurótico y sin filtro, Jared hace gracia cuando demanda autoridad y es expresivo, y las experiencias de Ben lo han hecho melancólico pero sabio. La película más notable de Adam McKay fue El reportero: la leyenda de Ron Burgundy, con Will Ferrell, siendo piezas muy específicas de comedia que atraen a un nicho dentro del norteamericano promedio. McKay se arriesgó al hacer La gran apuesta, lejos de su zona  de confort, pero valió la pena.

Cuando se trata de la crisis económica, El lobo de Wall Street (ELDWS) tiene una temática similar. La diferencia es que el enfoque de Martin Scorsese era hartar a la audiencia con imágenes obscenas, advirtiendo de los peligros de la avaricia a través de los excesos descabellados de Jordan Belfort. ELDWS fue muy gráfica y cruda, imposible de digerir para el espectador promedio. La gran apuesta es todo lo contrario, una comedia satírica que valiéndose de la ironía aclara un tema complejo exitosamente. Entre los mejores atributos de este largometraje es el recurso de la explicación, con íconos de la cultura popular haciendo de ellos mismos ilustrando con ejemplos fáciles términos confusos. De los más notables, Margot Robbie en una bañera, Selena Gomez en un casino y el chef Anthony Bourdain en su cocina. A McKay no le falta originalidad.

La película se toma libertades fílmicas con herramientas que sirven para transmitir el mensaje. Incluye lentes que se desenfocan en las caras de los personajes, mirar directo a la cámara y hablarle a la audiencia. Es único en cuanto a que el narrador aparece en cámara y directamente mira a los espectadores. Otro toque genial fueron las definiciones en pantalla como un diccionario para dar contexto en un momento determinado. Cuando las líneas entre ficción y realidad se desdibujan es que las cosas se ponen interesantes. Se levantó el velo de la típica película dramática, siendo un crisol muy rico. Al tomar prestado la entrevista y narración del documental, redime este género subestimado. Como está basada en un libro de no ficción se vale jugar en la dramaturgia. El escritor Michael Lewis no es ajeno a las historias verdades, siendo el autor de las previamente adaptadas Un sueño posible y El juego de la fortuna.

Las tomas son cortas y se mueven alrededor de las oficinas de todos los personajes, siendo dinámico con movimientos de cámara. Actores renombrados de Hollywood interpretan personajes diferentes, siendo muy agradable. Bale, Carell, Gosling y Pitt brillaron todos a su manera. No se puede evitar dibujar un paralelismo entre la previa colaboración de Carell y Gosling en Loco y estúpido amor; estos dos tienen una química fraternal que resulta en pantalla. Marisa Tomei también toma parte de este encuentro entre viejos colegas.

Por más que los diálogos son ocurrentes, te quedarás con un sabor amargo en la boca por las injusticias del mundo real. No se sabe con certeza quiénes son los malos, los que parecen ser ‘villanos’ se salen con la suya. Es sobre lo que pueden hacer un grupo de desvalidos para sacudir el sistema. Sentimos empatía hacia personajes con defectos y queremos que prevalezcan al final, aunque esto atente contra el bienestar general. La gran apuesta explora matices interesantes en humanos, querer algo malo mientras se trata de lograr justicia. Todo esto se abora de forma agradable y sin aburrir, siendo de las mejores películas de 2015 es un 5/5.

Vivian Russo

JOY: a real-life heroine

| vivianrusso13

At 25 years old Jennifer Lawrence is one of the best actresses of this generation. David O. Russell first collaborated with the then-virtually-unknown actress in Silver Lining Playbook, earning her first Oscar. American Hustle was a bit underwhelming compared to O.Russell’s standards. Joy raises the bar back where it belongs. Although Lawrence is known for playing action heroine Katniss Everdeen in The Hunger Games, David O. Russell has revealed her most interesting real nuances.

Joy is the real-life story of Joy Mangano (Jennifer Lawrence), divorced house-wife and mother of two on her quest to release her inventions. It chronicles her life from age 10 to 45, with all her financial and family struggles. The ensemble cast includes Édgar Ramírez as Tony Miranne, Joy’s ex-husband; Robert De Niro as Joy’s father, Rudy; Virginia Madsen, as Joy’s mother, Dianne Ladd as Mimi, Joy’s grandmother, and memorable supporting performances by Bradley Cooper, Isabella Rosellini and Elisabeth Röhm.

Joy includes David O. Russell’s signature quick camera movements and warm lighting correspondent with comedy. There are frequent over the shoulder shots that give us perspective, same with movements in and out of the scene. Director of Photography, Linus Sandgren, helped convey David’s message. The aesthetic plus the recurrent flashbacks, give depth to the story. It’s well constructed, each set is truthful to its time period.

There are complicated relationships with family members, from the ‘femme fatale’ sister, to the loving grandmother and unlikely friend/ex-husband. Like any good writer-director, O. Russell includes autobiographical elements from his experience. He’s clearly proud of his Italian heritage. The cast is a perfect ensemble, with Jennifer as the matriarch, in Mimi’s words. One of the most memorable scenes reminisces The Godfather, where family is vital. Refreshingly enough, this time the center is no ordinary woman, but the versatile Lawrence. It’s an achievement to portray both a fictional action hero and an empowering real-life woman, translating Katniss’ leadership to a realistic setting. O. Russell takes creative liberties from the original story, ones only a genius can get away with. With these dynamic duo, feminism is on its right path.

In Silver Linings Playbook, David got critical acclaim. The recipe didn’t suffice in American Hustle, being the ugly duckling in this creative partnership. The resolution is the latter is too up in the air; its main achievement are tbe decadent costumes as a character trait. In Joy the environment proves that O. Russell has a fascination with this era, making it nostalgic even to Millenials. The cherry on top to the melancholic mist is the soundtrack that includes The Bee Gees and Bruce Springsteen. Although some people are tired of the duo Russell-Lawrence, Joy illustrates that “if it ain’t broke, don’t fix it”. For the sake of equal opportunity perhaps it’d be better for them to take a quick break, just so other filmmakers get a chance to shine. But no one can deny that these two keep on bringing us captivating movies.

Bradley Cooper’s brief but relevant role is introduced gracefully. While we all know he participates, his revelation is done slowly, hearing him first, until then the camera opens up completely. A funny moment was Jennifer Lawrence attempting to speak Spanish with Édgar Ramírez, delivered with her clumsy charm. Congratulations to O. Russell for depicting Latin Americans in a truthful way.

Curiously enough, Joy’s last name is never mentioned in the film. Maximizing the double meaning in her first name, one word with a nice catchy ring. If Silver Linings Playbook was Oscar worthy for Lawrence’s performance and an out-of-the-box story, and American Hustle was a downgrade with a hesitant script; Joy has the care for detail that characterizes Russell and shows another side to the charismatic JLaw. Hopefully it’ll stay relevant, for now it’s a 5/5.

Con 25 años Jennifer Lawrence es una de las mejores actrices de su generación. David O. Russell colaboró con ella por primera vez en Los juegos del destino, valiéndole su primer Oscar. Escándalo americano fue un poco decepcionante para los estándares de O.Russell. Joy: el nombre del éxito sube la barra donde pertenece. Aunque Lawrence es conocida por hacer de la heroína de acción Katniss Everdeen en Los Juegos del Hambre, David O. Russell ha revelado sus más interesantes y reales matices.

Joy: el nombre del éxito es la historia real de Joy Mangano (Jennifer Lawrence), una madre divorciada en búsqueda de lanzar sus invenciones. Abarca su vidad de los 10 a 45 años, con sus luchas financieras y familiares. El elenco incluye a Édgar Ramírez como Tony Miranne, e exesposo de Joy; Robert De Niro como Rudy el padre de Joy; Virginia Madsen, como la madre de Joy, Dianne Ladd como Mimi, la abuela de Joy, e interpretaciones memorables de reparto para Bradley Cooper, Isabella Rosellini y Elisabeth Röhm.

Joy: el nombre del éxito tiene los movimientos de cámara típicos de David O. Russell, sumado a una iluminación cálida correspondiente al género de la comedia. Hay varias tomas de hombros para dar perspectiva, al igual que los movimientos acercándose y alejándose de la escena. El Director de Fotografía, Linus Sandgren, ayudó a transmitir el mensaje de David. La estéticas y los ‘flashbacks’ recurrentes, le dan profundidad a la historia. Está bien construida, con el plató reflejando adecuadamente el tiempo que abarca.

Hay relaciones familiares complicadas, entre ellas la hermana ‘femme fatale’, la amorosa abuela y el amigo inesperado y ex-esposo. Como un buen escritor-director O. Russell incluye elementos autobiográficos de su experiencia. Seguramente está orgulloso de su herencia italiana. El elenco es un conjunto armónico, con Jennifer de matriarca, en las palabras de Mimi. Una de las escenas más memorables recuerda El Padrino, donde la familia es vital. Lo refrescante del asunto es que esta vez el epicentro es la extraordinaria y versátil Lawrence. Es un logro retratar tanto una heroína ficticia como una poderosa mujer de la vida real, traduciendo el liderazgo de Katniss a un entorno más realista. O. Russell se toma libertades creativas con respecto a la historia original, de las que sólo un genio como él puede salir airoso. Con este dúo dinámico, el feminismo está bien encaminado.

En Los juegos del destino, David recibió elogios de la crítica. La receta no fue suficiente en Escándalo Americano, siendo el patito feo de esta colaboración creativa. La resolución de esta última es muy ambigua; siendo el logro principal los atuendos decadentes como parte de las características de los personajes. En Joy: el nombre del éxito el ambiente demuestra una vez más que Russell tiene fascinación con esta era, haciéndolo nostálgico hasta para los Millenials. La guinda del pastel en el aura melancólica es la banda sonora que incluye The Bee Gees y Bruce Springsteen. Aunque algunos estén cansado de la dupla Russell-Lawrence, Joy: el nombre del éxito ilustra que “si no está roto, no lo arregles”. Para honrar la igualdad de oportunidad, quizás sería mejor que se tomen una breve pause, para que otros cineastas puedan brillar. Nadie puede negar que estos dos siguen trayéndonos películas captivantes.

El papel secundario pero relevante de Bradley Cooper se introduce con gracia. Aunque todos sabemos que participa, su revelación en cámara es paulatina, desde que lo escuchamos hablar hasta que la cámara lo muestra por completo. Un momento gracioso fue Jennifer Lawrence tratando de hablar español con Édgar Ramírez, transmitido junto a su encanto un tanto torpe. Felicidades para O. Russell por darle veracidad a los latinoamericanos.

Lo curioso es que el apellido de Joy nunca se menciona en el largometraje, maximizando el doble significado de su nombre. Una palabra que suena bien y es pegajosa. Si Los juegos del destino le mereció un Oscar a la interpretació de Lawrence con una historia fuera de la caja, y Escándalo Americano bajó de nivel con un guion dudoso, Joy: el nombre del éxito tiene la atención al detalle que caracteriza a Russell y muestra otro lado de la carismática JLaw. Esperemos que se mantenga relevante, por ahora es un 5/5.

Vivian Russo

MISTRESS AMERICA: when art imitates life

| vivianrusso13

A creative relationship can be very prolific. It has happened several times that sentimental partners can also derive in professional collaborations. Among the most known ones are Woody Allen with Diane Keaton in Annie Hall and long-time partnership (on and off-screen) of Tim Burton and Helena Bonham Carter. The latest dynamic duo are director Noah Baumbach and actress / filmmaker Greta Gerwig.

Mistress America (2015) is about the unlikely friendship of Tracy (Lola Kirke), a shy 19-year-old college student, and Brooke (Greta Gerwig), an adventurous Times Square resident. Tracy is rescued from disappointment and seduced by Brooke’s crazy schemes, who is her soon-to-be stepsister. Noah Baumbach directs and co-writes the screenplay with Gerwig. The audience goes on a journey with these two kindred spirits. Gerwig’s Brooke is the lost sister we all wish we had, an outgoing partner-in-crime.

You can see it has similarities with the first one, Frances Ha (2013) just when you read both synopsis. Female driven plots about relationships and crisis, taking place in NYC. Mistress America had to take place in the most romanticized cities of all. The big apple is the safe haven for indie cinema, where the most purists take shelter for the industry that Los Angeles has become. Tracy’s fascination with Brooke mirrors our own as an audience with Greta Gerwig. The thespian is a triple-threat; comedienne, writer and director. Her niche is independent filmmaking, where her talents truly shine. Baumbach has managed to milk the best in her.

Noah Baumbach’s credits include co-writing The Life Aquatic with Steve Zissou (2004) and Fantastic Mr. Fox (2009) with Wes Anderson, and directing The Squid and the Whale (2005), Frances Ha (2013) and While We’re Young (2014). Baumbach clearly has a proclivity for out of the box cinema.

Mistress America is quality filmmaking with a low budget. The core is a good story with little shooting time, promotion and revenue. The length is just right, never boring or too long, always following the recommendations for a good script. It’s an indie film par excellence. The satire is an ever-present element, where the actors are mocking their own characters. The film keeps you on the verge of both laughter and tears, being a roller-coaster. Some situations here are just too outrageous to happen in real life, others, the outcome is what we wished life was. It is very entertaining and appealing. It deals with universal conflicts, coming-of-age and finding your way as a young adult.

Cinephiles are hoping that Baumbach and Gerwig will stay together to create more good storytelling. It’s sad that previous creative collaborations have ended due to personal conflicts, like Keaton-Allen and Bonham Carter-Burton. The former only produced a single masterpiece, the latter gave us Big Fish, Corpse Bride, Charlie and the Chocolate Factory, Sweeney Todd, and Alice in Wonderland, to name a few.

Mistress America is right long the lines of memorable comedies like Annie Hall, and the rapport that Bonham Carter and Burton had, Baumbach and Gerwig deserve 5/5.

Una relación creativa puede ser muy prolífica. Ha pasado que las parejas sentimentales se convierten en colaboraciones profesionales. Entre las más conocidas está Woody Allen con Diane Keaton en Dos extraños amantes y la asociación duradera (dentro y fuera de la pantalla) de Tim Burton y Helena Bonham Carter. El dúo dinámico más reciente es el director Noah Baumbach y la actriz y cineasta Greta Gerwig.

Mistress America (2015) es sobre la amistad poco probable de Tracy (Lola Kirke), una tímida estudiante universitaria de 19 años, y Brooke (Greta Gerwig), una aventurera residente de Times Square. Tracy es rescata de la decepción y seducida por los locos planes de Brooke, quien pronto será su hermanastra. Noah Baumbach dirige y co-escribe el guion con Gerwig. La audiencia se suma al viaje de estos dos espíritus afines. La Brooke de Gerwig es la hermana perdida que todos quisieramos tener, una la compañera de tremenduras extrovertida.

Se pueden ver las similitudes con la primera colaboración de este par, Frances Ha (2013) sólo con leer mabas sinopsis. Son tramas con personajes femeninos sobre relaciones y crisis que se desenvuelven en Nueva York. Mistress America tenía que ser en la ciudad más romantizada de todas. La gran manzana es el refugio del cine independiente, donde lo más puritanos huyen de la industria en que se ha convertido Los Ángeles. La frascinación de Tracy con Brooke es un espejismo de lo que sentimos como espectadores hacia Greta Gerwig. La actriz es una triple amenaza; comediante, escritora y directora. Su nicho es el cine indie, donde sus talentos pueden brillar. Baumbach ha sacado lo mejor en ella.

Los créditos de Noah Baumbach incluyen co-escritor de La vida acuática con Steve Zissou (2004) y El fantástico Sr. Fox (2009) junto a Wes Anderson, además de dirigir Historias de familia (2005), Frances Ha (2013) y Mientras somos jóvenes (2014). Baumbach tiene una clara predilección por hacer cine fuera de la caja.

Mistress America es una película de calidad a pesar de su bajo presupuesto. El corazón es la buena historia, con un tiempo de rodaje corto, poca promoción y ganancia. La duración es adecuada, sin aburrir ni extenderse; sigue las recomendaciones de un buen guion. Es cine independiente por excelencia. La sátira está presente en todo momento, donde los actores se burlan de sus propios personajes. El largo te mantiene al borde de la risa y lágrimas, como una montaña rusa. Algunas situaciones son demasiado descabelladas para la vida real, otras tienen lo que nos gustaría que hubiera pasado. Es entretenida y llamativa, cubre conflictos universales, crecer y encontrar tu lugar como un joven adulto.

Los cinéfilos están ligando que Baumbach y Gerwig se mantengan juntos para crear más piezas de calidad. Es triste que colaboraciones creativas anteriores hayan terminado por problemas personales, como Keaton-Allen y Bonham Carter-Burton. La primera pareja generó una única gran obra maestra, la segunda produjo El gran pez, Cadáver de la novia, Charlie y la fábrica de chocolates, Sweeney Todd, y Alicia en el país de las maravillas, por nombrar algunas.

Mistress America tiene los parámetros de comedia memorables como Annie Hall, y la compenetración que tenían Bonham Carter y Burton, Baumbach y Gerwig se merecen un 5/5.

Vivian Russo

 

The Intern: when emotion drives a movie forward

| vivianrusso13

The orthodox recipe for a successful movie is a script with substance, as guru Robert McKee would say. There’s the classical three-act structure that has worked in Hollywood for years. And then there are exceptions like The Intern. It relies on the irresistible charm of Robert De Niro and the experience of comedic director, Nancy Meyers. It’s not advisable for any rookie filmmaker to follow this path. When the outcome is as pleasing as this, it’s a luxury that only established storytelleres can afford.

The Intern is about a retired senior-citizen, Ben Whitaker (Robert De Niro), who joins a Senior Program at an online shopping page. There he befriends his boss, Jules Ostin (Anne Hathaway), the CEO who juggles several tasks. Underneath the typical old vs. new plot line, there’s a bond thanks to old-fashioned charisma, the movie poster advertises it so well. In a very Nancy Meyers way, she manages to take us from tears to laughs and back to deep thoughts. It’s the art of a good comedy that she masters so well.

If I were to explain the movie it would seem too cliché, with relationships that have repeated themselves endlessesly in the silver screen. However, in The Intern there’s a pleasant sensation all the time. The viewer will end up light-hearted and uplifted thanks to the way it conveys its message.

Among the topics it covers is the dilemma of female independence and its repercussions in modern households, also, losing warmth with the eficienty of technology. The clear ideas of Nancy Meyers are delivered first and foremost through De Niro, whose acting skills only improve with age. Ben’s charm seems to naturally flow from De Niro, winning all his younger co-workers in an instant. Anne’s Jules can’t resist for long. It’s funny that at first she plays the busy fashion mogul, like Meryl Streep’s Miranda Priestly did on The Devil Wears Prada to her secretary, Anne’s Andy. De Niro probably behaved like the captain of a ship on set, motivating everyone else in the crew. With such professionals, this movie couldn’t have gone wrong. Despite the backlash some people give to Anne Hathaway, she’s on a roll after her deserved Oscar win.

One of the messages the movie conveys is a harmony between experience and technology. This is welcomed in this crazy hectic world. It shows specifically when De Niro so cutely attempts to say USB or CEO, trying to communicate with the Millenials he’s surrounded with. It seems that in the end, all kind souls understand one another, despite generation barriers.

Nancy Meyers movies include The Parent Trap, What Women Want, Something’s Gotta Give, The Holiday and It’s Complicated. The last one remains fresh thanks to believable performances. It seems the recipe for success in a Meyers movie is to work with talented people in all areas. These films all have in common a very efitient storytelling, where there’s no bang but a subtle flow until you reach a heartwarming conclusion full of hope.

Meyers tries to mock a situation by making it relatable and funny. Once you start seeing her filmography you realize the charm that simple stories have. With each new release she finds unexplored corners of life. She creates different kinds of relationships full of wit and understanding. In a Nancy Meyers film, reality is not important and fairy-tale-esque endings are expected. She has created her own little world where some things are believable that other filmmakers couldn’t manage. It’s the hall pass that some filmmakers get, diverting the audience from their worries for a little while.

It’s Complicated remains one of the best rom coms ever, with the fantastic trio of Meryl, Steve Martin and Alec Baldwin on its leading roles. The Intern is a close third, behind the cult-classic, The Parent Trap.

La receta ortodoxa para una película exitosa es un guion con sustancia, como lo diría el gurú Robert McKee. Está la estructura clásica de tres actos que ha funcionado en Hollywood por años, y luego aparecen excepciones como Pasante de moda. El peso recae en el encanto irresistible de Robert De Niro, y la experiencia de la directora de comedia, Nancy Meyers. No es recomendable que los cineastas novatos sigan este camino. Cuando el resultado es así de satisfactorio, es un lujo que sólo los storytellers más establecidos se pueden dar.

Pasante de moda es sobre un ciudadano de tercera edad retirado, Ben Whitaker (Robert De Niro), que se enlista en un programa de pasantes en una página web de moda. Allí se hace amigo de su jefa, Jules Ostin (Anne Hathaway), la CEO que hace malabarismos con sus quehaceres. Detrás de la dicotomía clásica de viejo vs. nuevo, hay una conexión gracias al carisma de la vieja escuela, de la que se vale el poster para publicitar la película. En su forma muy particular, Nancy Meyers se las ingenia para llevarnos de lágrimas a risas y de vuelta a la reflexión. Es el arte de la buena comedia que ella domina tan bien.

Si me pusiera a explicar la película, rallaría en lo cliché, con relaciones recurrentes en otros filmes. Sin embargo, en Pasante de moda hay una sensación agradable todo el tiempo. El espectador terminará ligero como una pluma y animado por la forma de transmitir el mensaje.

Entre los temas que abarca es, el dilema en la independencia femenina y sus repercusiones en los hogares del siglo XXI, también, la pérdida de la calidez por la eficiencia de la tecnología. Las ideas claras de Nancy Meyers son transmitidas principalmente a través de De Niro, cuyas abilidades de actuación sólo mejoran con la edad. El encanto de Ben fluye naturalmente desde De Niro, ganando el corazón de todos sus colegas instantáneamente. La Jules de Anne no puede resistirse por mucho tiempo. Es curioso que empiece como la jefa ocupada de moda, Meryl Streep hizo suya a Miranda Priestly en El diablo viste a la moda, haciendo miserable a su secretaria, interpretada por Anne en aquel entonces. De Niro seguro ejerció como capitán no oficial en el barco del plató, motivando a todo el equipo. Con tanta gente profesional, esta película no pudo haber salido mal. A pesar de las críticas que algunos hacen de Anne Hathaway, ella está en una racha de éxitos desde su merecido Oscar.

Uno de los mensajes de esta película es la armonía entre experiencia y tecnología. Esto es bien recibido en el mundo caótico y ajetreado en el que vivimos. Se muestra más específicamente cuando De Niro trata, de forma adorable, de decir USB o CEO, para comunicarse con los Millenials que lo rodean. Parece que al final, todas las almas buenas se entienden, a pesar de las barreras generacionales.

Entre la filmografía de Meyers está, Juego de Gemelas, Lo que quieren las mujeres, Alguien tiene que ceder, El descanso y Enamorándome de mi Ex. La última sigue fresca por sus interpretaciones creíbles. Parece ser la receta del éxito en un película de Meyers trabajar con lo mejor en cada área. Estas películas tienen en común un método de contar la historia muy eficiente, donde no hay ningún estruendo ni artificio, sino el flujo constante hasta alcanzar ese final enternecedor lleno de esperanza.

Nancy Meyers trata de burlarse de situaciones comunes al hacerlas empáticas y cómicas. Cuando empiezas a ver sus películas, te das cuenta del encanto que tienen las historias simples. Con cada nuevo largometraje encuentra rincones sin explorar de la vida. Crea relaciones con ocurrencias y entendimiento. En sus películas, la realidad cede ante finales de cuentos de hadas. Ha creado su propio mundo donde algunas cosas se creen sólo porque ella está detrás de ellas. Tiene pase libre del que no gozan todos los cineastas, logrando distraer a la audiencia de sus preocupaciones por un tiempo.

Enamorándome de mi ex es de las mejores comedias románticas de todos los tiempos, gracias al trío de Meryl, Steve Martin y Alec Baldwin como elenco protagónico. Pasante de Moda es un tercer lugar reñido, detrás del ahora clásico de culto, Juego de Gemelas.

Vivian Russo

Magic Mike XXL: when one doesn’t want to think

| vivianrusso13

There are some movies that evade the rule of having a solid story to succeed. Those special cases include taboo subjects, most recently Magic Mike. After the mayhem from the first movie, estrogen demanded a sequel. The outcome is perfect to get lost in it and just have a good time. It’s not rich with a story-line, but it can be enjoyable to most women. Some punchlines will be funny and there’s a thought choreography. That’s as far as the thought went.

Magic Mike XXL takes place 3 years after the first one, where Mike Lane (Channing Tatum) quit being a stripper to pursue his own serious business. After a forced encounter with his old mates, the guys travel to a stripper convention for one last chance of bonding. Returning to their roles are Matt Bomer, Joe Manganiello, Adam Rodríguez, and Kevin Nash. New additions include Amber Heard, and cougars like Jada Pinkett Smith, Andie MacDowell and Elizabeth Banks.

When people first heard of Magic Mike in 2012, they were expecting a lot of mindless exotic dancing. Instead, Steven Soderbergh delivered a deep movie, like the rest of his filmmography. He managed to give some meaning to an empty physical sub-world. Soderbergh has a vision, proven constantly from Erin Brockovitch to Traffic. It was a nice surprise to see an Award-winning director providing his take on “male entertainers”. For the sequel, Soderbergh was cinematographer and editor, but his input as director was missed. The captain in XXL was Gregory Jacobs, who got carried away by fantasies. Even though Jacobs is a frequent collaborator of Soderbergh, the former’s vision needs improvement.

As handsome as the actors look in these roles, they will not transcend the movie world with just a pretty face. It’s quite the opposite. Channing Tatum being the lead in such a movie reflects the lack of depth, this guy can’t even say an entire sentence without stammering. It’s hard to believe that Tarantino picked him for his next movie. Tatum has serious skills as a dancer, which he should pursue rather than acting. The final choreography was one of the few things that the audience will remember. Some fleeting relevant dialogue was present, overshadowed by constant cursing. The third and final perk, is female empowerment where men are objectified for once; a change is nice to even up the scales.

Without conflict, the whole flow is too happy-go-lucky. These man-candy will raise money for a while, until they’re an old hot mess like Kevin Nash’s “Tarzan”. If someone is in the mood for a sexual movie, there are far better choices than this one. The most recent being Fifty Shades of Grey. After the rave of novelty, Magic Mike XXL will be forgotten, it’s a 2.5/5.

Hay algunas películas que evaden la regla general de la presencia una historia sólida para tener éxito. Estos casos especiales incluyen los temas tabú, como Magic Mike. Después del alboroto de la primera, el estrógeno demandó una secuela. El resultado es perfecto para perderse y pasarla bien. No tiene una trama rica, pero es disfrutable para las mujeres. Algunos chistes clichés serán cómicos y la coregorafía está pensada. Hasta ahí llegó la reflexión.

Magic Mike XXL ocurre 3 años después de la primera, cuando Mike Lane (Channing Tatum) renunció a ser stripper para emprender su propio negocio serio. Luego de un encuentro forzado con sus antiguos compañeros, los muchachos viajan a una convención de strippers para compartir una última vez. Regresan a sus roles Matt Bomer, Joe Manganiello, Adam Rodríguez, y Kevin Nash. Nuevas adiciones incluyen Amber Heard, y las asalta-cunas de Jada Pinkett Smith, Andie MacDowell y Elizabeth Banks.

Cuando la gente oyó de Magic Mike en 2012, esperaban una danzadera sin sentido. En vez de eso, Steven Soderbergh sorprendió una película profunda, como el resto de su filmografía. Se las ingenió para darle un punto a este sub-mundo vació y físico. Soderbergh tiene una visión, demostrado desde Erin Brockovitch hasta Tráfico. Fue una sorpresa buena ver a un director reconocido aportar su punto de vista sobre los strippers. Para la secuela, Soderbergh fue cinematógrafo y editor, pero su influencia como director se extrañó. El capitán en el barco de XXL fue Gregory Jacobs, que se dejó llevar por fantasías. Aunque Jacobs colabora frecuentemente con Soderbergh, al primero le falta mejorar su visión.

Por más apuestos que se vean los actores en estos papeles, no van a trascender el mundo cinematrográfico con sólo una cara bonita. Al contrario, cuando Channing Tatum es el protagonista de este tipo de película, se refleja la falta de profundidad. Este hombre ni puede decir una oración completa sin tartamudear. Es sorprendente que Tarantino lo haya escogido para su más reciente película. Tatum se destaca como bailarín, habilidades que debería aprovechar en vez de actuar. La coreografía final es una de las pocas cosas memorables de la película. Hubo momentos efímeros con diálogos significativos, eclipsados por groserías incesantes. La tercera ventaja fue el empoderamiento femenino, donde son los hombres lo objetivizados por una vez; es agradable un cambio para equlibrar las balanzas.

Sin conflicto, el ritmo es demasiado alegre. Estos galanes recaudarán dinero por un tiempo, hasta que sean un bochorno mayor como el “Tarzan” de Kevin Nash. Si alguien está de humor para una película sexual, hay mejores opciones que esta, la más reciente siendo Cincuenta sombras de Grey. Luego del furor de la novedad, Magic Mike XXL será olvidada, es un 2.5/5.

Vivian Russo