Manchester-By-The-Sea: an unsuccessful attempt to create drama

Independent films are known for having an austere approach to stories, away from the fanfare of typical Hollywood. Often times a directors’s vision becomes his trademark and every project is personal and powerful. Other times the whole process backfires and you end up with a dud, this is the case of Manchester By The Sea. It fails because there’s a very deliberate setting from the beginning and the ending is inconclusive. These two qualities put together in one film are oil and water, just one of the shortcomings of this overrated movie.

Manchester By The Sea (MBTS) tells the story of Lee Chandler (Casey Affleck), a lonely janitor living in suburban Boston who is forced to return to his hometown of Manchester-By-The-Sea when his recently deceased brother leaves him in charge of his teenage nephew, Patrick (Lucas Hedges). Rounding up the main cast are Michelle Williams as Randi, Lee’s ex-wife, and Kyle Chandler as Joe, Lee’s brother. This is the third feature-film of writer/director Kenneth Lonergan, after You Can Count on Me (2000) & Margaret (2011). It is produced by Matt Damon, Kimberly Steward, Chris Moore, Kevin J. Walsh & Lauren Beck.

The treatment of the film is very natural, filmed outdoors, little dialogue and an overall slow pace. It doesn’t go well with the contrived circumstances. Even with this two uneven elements, the film could’ve been salvaged with the ending. However, the resolution is too vague and feels rushed. Unfortunately, ruining a film with the finale has become a very common disease in Hollywood, and Manchester By The Sea is not the exception. The feeling after leaving the theater is depressing, so many tears without a tangible lesson. The universe conceived by Lonergan demanded a more conclusive ending. What we have instead is, an expositive close-up. Sometimes things can’t be left to the audience’s imagination. If a filmmaker has a very specific set of facts to convey he can’t just create buildup and leave it run its course, dramaturgy demands input all along. It’s a mystery why this film is getting so much recognition.

Furthermore, the mise-en-scène of actions is uneven. We have negative scenes one after the other. There is supposed to be an equilibrium between happy and sad happenings. When there’s too much negative you have a very gloomy sob story like Precious, (and now MBTS) and the opposite is a fairy-tale too corny even by Disney standards. Cinema is an art that imitates life. Even within the bounds of fiction, there has to be some trace of credibility left. When filmmakers take too many creative liberties in bending basic rules the results can be catastrophic. In such a polarized universe, positive or negative, it’s harder to relate to it. And empathy is key to make a movie successful long-term.

Casey Affleck’s performance doesn’t live up to the hype. It’s just another serious role, nothing out of the ordinary. He lacks eloquence and range. His expression resembled a poker face at times. The question inevitable redirected to the writer/director, either for not creating a more convincing character or for not demanding enough substance out of his leading man. MBTS proves that 2016 wasn’t a very strong year for actors. These categories will be very plain at the Oscars this year. It’s hard to predict who will win since there’s not a single contender to beat, all nominees have strengths and weaknesses.

From a technical perspective, you can see the film is visually beautiful. There’s a pleasant aesthetic to the on-location filming and overall lighting. Commendations are in order for the Director of Photography (DP), Production Designer, Camera Crew and technicians. Besides ethereal categories that are hard to notice for general audiences, Lucas Hedges was the only outstanding actor in the cast. In spite of his youth, Hedges successfully deals with most of the dramatic weight that just goes over Affleck’s head.

Another recommendation for Lonergan would’ve been to use the beautiful aesthetic as a complement to distinguish between flashbacks and present day. Like different lighting, coloring or level of focus. Either those technical tricks or more drastic changes in the characters’ physical appearances. Each moment overlaps the other and it’s hard to figure out when it is happening. We come to the right conclusion because whenever Joe is in the scenes it must’ve been in the past since he dies at the beginning of the film.

When the tools to drive along a film mismatch you are bound to create trouble. In addition, you have an unevenly sad story and a bland main character. Manchester By The Sea’s accomplishments are on the visual department and in Hedges’ performance. It’s a very shaky 2.5/5.

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Es sabido que el cine independiente tiene una forma austera de abordar las historias, muy diferente a los bombos y platillos del típico Hollywood. Muchas veces la visión de un director se convierte en marca registrada, siendo que cada proyecto transmite de forma más personal. Otras veces el proceso falla miserablemente y el producto se queda en el aparato, como es el caso de Manchester junto al mar. Sus deficiencias yacen en la incongruencia entre los planteamientos iniciales de los hechos y sus pormenores, deliberadamente dramáticos, para finalizar de forma inconclusa. Cuando se juntan cualidades tan opuestas como el agua y el aceite se vuelve más difícil vender la credibilidad general de la pieza, por más que haya generado revuelo en la crítica.

Manchester junto al mar (MJAM) es la historia de Lee Chandler (Casey Affleck), un concerje solitario en las afueras de Boston quien es forzado a regresar a su pueblo natal, Manchester-By-The-Sea, cuando su hermano fallece inesperadamente y lo deja a cargo de su sobrino adolescente Patrick (Lucas Hedges). Completando el elenco principal están Michelle Williams como Randi, la ex esposa de Lee, y Kyle Chandler como Joe, el hermano de Lee. Este es el tercer largometraje del escritor y director Kenneth Lonergan, después de Puedes contar conmigo (2000) y Margaret (2011). Es producida por Matt Damon, Kimberly Steward, Chris Moore, Kevin J. Walsh y Lauren Beck.

El tratamiento de este filme es naturalista, filmado en exteriores, con poco diálogo y un ritmo general lento. Lo que no concuerda con las circuntancias tan específicas y melodrámaticas de la historia. Aún así, podía haberse rescatado la pieza de tener otro final, pero lo que vemos en pantalla es muy vago y se siente apresurado. Es desafortunada la cantidad de películas que son arruinadas por su final, una situación Hollywoondense de la que MJAM no se escapa. La sensación al abandonar la sala es depresión, demasiadas lágrimas sin una lección tangible. El universo que creó Lonergan demandaba un final más específico, no los momentos expositivos con los que cierra el filme, quedando a la imaginación de cada quien. Cuando un cineasta tiene un objetivo muy particular, acompañado por los hechos que vemos en pantalla, no puede soltar las riendas de la dramaturgia y esperar que todo se resuelva solo. El director debe supervisar el curso de su largometraje en todo momento. Consecuentemente, es difícil concebir cómo MJAM atrae tantos elogios de los críticos.

Más aún, la puesta en escena está desequilibrada, hay una sucesión de momentos negativos. Lo que marca la estructura del cine es al balance entre feliz y triste, cuando hay demasiada tristeza tenemos un melodrama como el de Precious, (y ahora MJAM) y el opuesto es un cuento de hadas inverosímil incluso para los estándares de Disney. El cine es un arte que imita la vida, incluso dentro del mundo de la ficción debe haber un rastro de credibilidad. Cuando un cineasta se toma demasiadas libertades creativas y juega con las reglas básicas del juego los resultados pueden ser catastróficos. En un universo tan polarizado, hacia un extremo u otro, es difícil generar empatía, y ésta es una emoción clave para enganchar al espectador.

La interpretación de Casey Affleck no está a la altura de las expectativas, es un rol serio más, nada fuera de lo ordinario. Le falta elocuencia y rango actoral, en ocasiones su cara tiene una expresión de indiferencia. Inevitablemente, sus debilidades redirigen la responsabilidad al director y escritor, bien sea por crear personajes poco convincentes o por no exigirle suficiente a su protagonista. MJAM prueba que 2016 no fue un año con actuaciones sobresalientes. Estas categorías serán muy sosas en los Oscar de este año, incluso siendo difíciles de predecir. No hay un candidato fuerte, todos tienes sus pro y sus contra.

Desde un punto de vista técnico el largometraje es hermoso, tiene una estética agradable al ser filmada en paisajes naturales y usa correctamente la iluminación. Merecen reconocimiento la Dirección de Fotografía (DP), el Diseño de Producción, el equipo de cámara y demás técnicos. Aparte de estos renglones que son un tanto abstractos y difíciles de cuantificar para el espectador promedio, Lucas Hedges fue el único actor resaltante de todo el elenco. Para su edad y experiencia, logra cargar exitosamente con la mayoría del peso dramático que le pasa por encima a Affleck.

Otra recomendación para Lonergan sería utilizar la impronta visual como complemento para reforzar la historia, especialmente con los diferentes tiempos que se plantean. Como un cambio obvio en la iluminación, el uso de los colores o el foco de la cámara para diferenciar al flashback del presente. Aparte de los guiños técnicos, podía haber alterado más drásticamente la apariencia física de sus personajes. Los momentos se superponen y es difícil identificar a primera vista cuándo sucede esta secuencia. El elemento que nos lleva a la conclusión acertada es la presencia de Joe, ya que fallece al principio del filme..

Cuando las herramientas que hilvanan una película se contradicen, no hay tierra firme para construir una historia. Además se presentan hechos demasiado tristes y de parte de un actor poco convincente. Las fortalezas de Manchester Junto al Mar recaen en el departamento visual y la interpretación de Hedges. El veredicto final es un muy dudoso 2.5/5.

Vivian Russo

LION: a real-life story adapted impeccably

Some stories are universal regardless of the circumstance they’re in. Others have to be told because they reflect an underdog within our society. It is rare to find a combination of both, a true story that adapted to the screen in such a mesmerizing way. It conveys effectively a message through flawless storytelling. Lion is heart-wrenching because it deals with situations that seem too sad to be true. It shows the extreme poverty in India, which is especially harrowing when children are at the center of it.

Lion is based on the true story of Saroo Brierley (Dev Patel) who gets lost as a child on a train station and tries to survive without his family on the streets of India. It also covers his ordeal until he’s adopted by an Australian couple (played by Nicole Kidman & David Wenham). Twenty-five years later Saroo tries to find his biological mother through Google Earth.

Young Saroo is played by Sunny Pawar, who is beyond magnetic. He moves you to the core with his authentic performance at such a tender age. It’s amazing to manage that effect with a kid that has no acting experience. It’s a positive outcome from shooting on location and attempting to make everything believable.

Lion deals with universal dilemmas. It’s about identity, who you are and where you’re going. This case adoption serves as the circumstances. Saroo’s life in Australia is shaken up when he goes to college. It is at this stage in life that we interact with people of varied backgrounds and we begin to question ourselves. It’s a journey that many people can relate to in one level or another.

Once Saroo’s curiosity is sparked, there’s no going back. He becomes determined to find the whereabouts of his biological family. He leaves his comfortable adoptive environment to venture into the uncharted waters that is who you truly are, the essence of his being. What had become his routine is no longer satisfying. Past and present merge in a way that that the future is put on hold until he manages some level of self-discovery.

Besides the script, Lion has many highlights. The soundtrack is on point, helping the general tone of the film. It was composed by Hauschka and Dustin O’Halloran, who got the recognition they deserve being nominated at the Oscars for Best Original Score. This piece has a whole sequence in the beginning of just the credits showing. It’s an introduction that not a lot of motion pictures use nowadays, making Lion different on another level. The general pace of the movie is smooth but not rushed, those opening titles set the tone of introspection.

This cinematic piece appeals to our emotion. It’s about having a heart big enough to raise someone else’s child as your own. In essence you introduce a complete stranger into your home and hope for the best. It takes a lot of courage, determination and love to succeed in this titanic task. Adoption is empathy at its extreme, as we see in Nicole Kidman’s character. When you care so much for others around you, they end up being your family, in this case literally.

By taking unprivileged kids and giving them opportunities you’re actually changing the world, one person at a time. It’s a wonderful thing to do out of the goodness of your heart. All this altruism transcends borders and languages. So it’s no surprise that the cast and crew behind Lion include many nationalities. When there’s a good story that generates empathy and uses the right cinematic elements, you create a vivid piece of art. Lion is a 5/5.

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Unas historias son universales sin importar las circunstancias en las que tomen lugar. Otras necesitan ser contadas porque representan a un ser desvalido dentro de nuestra sociedad. Es raro encontrar una mezcla entre estas dos premisas, una historia real llevada a la gran pantalla de forma tan cautivadora. Transmite sus mensajes eficientemente a través de un storytelling impecable. Lion es conmovedora porque lidia con situaciones que parecen demasiado tristes para ser verdad, empezando por la pobreza extrema en la India. Siendo especialmente angustiante cuando los protagonistas del sufrimiento son niños.

Lion está basada en la historia real de Saroo Brierley (Dev Patel), quien se pierde de niño en una estación de trenes y trata de sobrevivir sin su familia en las calles de la India. La historia abarca su odisea hasta ser adoptado por una pareja australiana, interpretados por Nicole Kidman & David Wenham. Veinticinco años después Saroo trata de buscar a su madre biológica a través de Google Earth.

Saroo de niño es interpretado por Sunny Pawar, quién es magnético desde su primer momento en pantalla. Se roba el show y se gana nuestros corazones instantáneamente. Transmite emoción de forma auténtica a pesar de su precocidad. Lo más sorprendente es que no tenía ninguna experiencia previa de actuación. Ésto es un resultado positivo de filmar en las locaciones y hacer un esfuerzo para que todo sea verosímil utilizando a gente nativa y los escenarios reales.

Lion trata con dilemas universales, la identidad, quién soy y a dónde me dirijo. En este caso el paradigma de la identidad está enmarcado en las circunstancias de la adopción. La cómoda vida de Saroo en Australia es sacudida por un momento fortuito cuando va a la universidad. Es a esta edad, en la que interactuamos con personas de distintos bagajes y nos empezamos a cuestionar a nosotros mismos. Es fácil para la audiencia sentirse identificado con este viaje, de una forma u otra.

Una vez que se despierta la curiosidad de Saroo, no hay vuelta atrás. Su norte se convierte en encontrar el paradero de su familia biológica. Abandona el confórt de su ambiente adoptivo para aventurarse en la incertidumbre de quién es en realidad, la esencia de su ser. Lo que se convirtió en una rutina para Saroo ya no lo satisface. Mientras la línea entre pasado y presente se desdibuja, su visión del futuro se congela hasta que logre algún grado de conocimiento propio.

Aparte del guion, Lion tiene muchas fortalezas. La banda sonora está acertada, ayudando a mantener el tono del filme. Fue compuesta por Hauschka y Dustin O’Halloran quienes recibieron el merecido reconocimiento de estar nominados al Óscar por Mejor Partitura Original. Esta pieza comienza con una secuencia de créditos que sirve de introducción. Por alguna razón, esta herramienta ha caído en el desuso y al ser empleada por Lion, la hace diferenciarse de otra forma. El ritmo general es fluido sin ser apresurado, siendo que los títulos del principio marcan la pauta de introspección para el resto del largometraje.

Esta pieza de cinematografía apela a nuestras emociones. Es sobre tener un corazón tan grande que somos capaces de criar el hijo de otra persona como propio. Es, en esencia, introducir a un extraño en tu hogar, esperando que todo resulte bien. Se necesita de mucho valor, determinación y amor para tener éxito en esta tarea titánica. Adoptar es empatía al extremo, ejemplificado en el personaje de Nicole Kidman. Cuando te importan tanto los demás seres que te rodean, se convierten en tu familia, literalmente en este caso.

Al tomar niños desprivilegiados y darles oportunidades estás cambiando el mundo, una persona a la vez. Es un acto maravilloso que nace de una profundad bondad. Este altruismo trasciende fronteras e idiomas, siendo nada sorprendente que el equipo detrás de Lion incluye muchas nacionalidades. Cuando hay una buena historia que genera empatía y usa los elementos cinematográficos adecuados, se genera una sólida pieza de arte. Lion es un 5/5.

Vivian Russo

LA LA LAND: a cinematic masterpiece beyond the musical

La La Land is an eclectic mix for those who enjoy Independent (indie for short) filmmaking. This niche has quiet and intimate storytelling. Damien Chazelle has managed another hit after his last feature film, Whiplash. Emma Stone & Ryan Gosling dazzle as triple threats. It has emotion, charm and power. The ending in La La Land is shocking, to say the least. This film dwells on the “what ifs” in life. Being so unique and well-executed it’s at the top of this year’s films.

La La Land explores the lives of Mia Dolan (Emma Stone), an aspiring actress, and Sebastian Wilder (Ryan Gosling), a struggling jazz pianist; how they relate to one another in the backdrop of Los Angeles. Mia & Sebastian engage in a relationship in the midst of the City of Stars. John Legend co-stars as Sebastian’s friend, Keith, Rosemarie DeWitt is Sebastian’s sister, Laura. J.K. Simmons also appears with a small but relevant role.

Damien Chazelle’s storytelling is all-encompassing and compelling, both writing and directing. From the very first shot you’re mesmerized. The tools are very disparate but work when put together. It has singing and dancing, but doesn’t feel like a typical musical. This artistic outbursts serve as a way to release tension and move forward with the story. There’s both drama and comedy. The plot twists have a common threat, the opening flash-mob with average people, to the first meet-cute of the main characters. We get the big picture, then her and his perspective in detail, all tying it back to them together. With this technique we reveal the iceberg slowly. By the end of it, the message of the filmmaker is there, waiting for the viewer to interpret it. Without any spoilers, this resolution is bittersweet for the idealists. It will leave you dumbfounded because you don’t see it coming.

The soundtrack is another essential element. Justin Hurwitz composed an extra special score. The main theme combines timeless classic with contemporary appeal, making it catchy. It’s so good that it grounds you every time it comes on. Another common threat. Fred Berger, Jordan Horowitz, Gary Gilbert and Marc Platt serve as Producers, nailing what must’ve been a logistics nightmare, like coordinating larger than life musical numbers. Among the accomplishments of this production is the single-take approach on many sequences, shooting in widescreen CinemaScope straight out of the 50s, and using natural lighting during the elusive “magic hour”. Tom Cross edits another movie by Chazelle, after winning an Oscar two years ago for Whiplash. It’s possible he’ll get an encore on that category.

Chazelle filled this piece with nostalgia. The costumes seem vintage, same with cars. The retro touch makes it not your average 21st century setting. Moreover, adding to the paradigm of wanting time to stand still and trying to advance in life. Using this elements of old age cinema, La La Land is on a completely higher level than the rest of the films of 2016. How many of them used a live orchestra for their soundtrack?

Emma & Ryan’s chemistry jumps off the screen. After working together in three occasions, they feed off each other. Stone’s beauty is different, she’s poised, charming, elegant, witty and magnetic. On the other hand, Gosling’s attractiveness is complemented with his ability to transmit emotion even when there’s silence. At one point it’s possible to draw a comparison with The Notebook, because there’s a similarity in time-frames. This fact only makes us feel for Ryan’s character even more.

La La Land as a movie proves that you can “have your cake and eat it too”, flawless all-around. Visually captivating yet with a strong message. It draws from past hits like Singing in the Rain and the duo of Fred Astaire & Ginger Rogers, yet it’s capable of standing on its own. We leave the theater deep in thought, wondering what success really is and if it’s really worth it after all. A movie that is capable to arouse such a complex response is more than deserving of praise. When you have tears, laughter, music and glamour, you create the heady cocktail that is La La Land, a magnum opus with a 5/5.

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La La Land es una mezcla ecléctica para los que disfrutan del cine Independiente (Indie abreviado). Este nicho cuenta historias de una forma más íntima y personal, lejos de la industria masiva hollywodense. Damien Chazelle ha logrado dos éxitos seguidos, luego de Whiplash (2014). En esta ocasión Emma Stone y Ryan Gosling deslumbran como una triple amenaza, llenan la pantalla de emoción, encanto y fuerza. El final en La La Land impactará a más de uno. Este largometraje se explaya en los “y si…” que harían nuestra vida diferente. Siendo tan única y bien ejecutada es lo mejor que se ha estrenado en este año que concluye (2016).

La La Land explora las vidas de Mia Dolan (Emma Stone), aspirante a actriz, y Sebastian Wilder (Ryan Gosling), un pianista de jazz luchando por hacerse un nombre, y cómo se relacionan en Los Ángeles, mejor conocida como “la ciudad de las estrellas”. John Legend co-protagoniza como el amigo de Sebastian, Keith, Rosemarie DeWitt es la hermana de Sebastian, Laura. J.K. Simmons también aparece brevemente en un momento relevante.

Damien Chazelle cuenta historias de forma envolvente e irresistible, tanto en el guion como en la dirección. Desde la primera toma quedas hipnotizado. Se vale de herramientas muy diversas que funcionan al usarse en conjunto y de la forma indicada. Cantan y bailan, pero no es el típico musical, las explosiones artísticas sirven para aliviar la tensión y avanzar en la historia. Hay tanto comedia como drama, los giros en la trama tienen hilos comunes: como por ejemplo, el flashmob con el que abre la película, y el primer encuentro entre los personajes principales. Vemos el plano general, nos adentramos en el punto de vista de ella y luego de él, para luego unirlo todo y seguir. Esta técnica revela el iceberg poco a poco. Cuando estamos al final, el mensaje del cineasta está expuesto en pantalla, esperando que el espectador lo interprete. Sin revelar nada importante, se puede decir que el desenlace será agridulce para los idealistas. Te quedarás anonadado al salir de la sala por este golpe que salió de la nada.

La banda sonora es otro elemento esencial, compuesta por Justin Hurwitz. El tema principal combina lo clásico y atemporal con el atractivo de lo contemporáneo, siendo extremadamente pegajosa. Es tan buena que cada vez que aparece en pantalla te conecta con la base de la película. Éste es otro hilo conductor. Fred Berger, Jordan Horowitz, Gary Gilbert y Marc Platt son los productores, haciendo una magnífica labor al cordinar lo que debio ser una pesadilla logística con números musicales más grandes que la vida misma. Entre las hazañas de producción está; filmar estilo plano secuencia con pocos cortes, rodar usando el formato CinemaScope sacado de los 50s, y usar la luz natural durante la escurridiza “hora mágica”. Tom Cross edita otra pieza de Chazelle, luego de haber salido victorioso en los Oscar hace 2 años con Whiplash. El panorama indica que sería posible repetir una estatuilla en esta categoría.

Chazelle llenó su filme con nostalgia; el vestuario parece de época, al igual que los carros. El toque retro hace diferente a la ambientación de un plató típico del siglo 21. Es la vuelta de tuerca a la dicotomía de querer detener el tiempo, y a la misma vez buscar avanzar en la vida. Al rescatar estos elementos de la Era de Oro del cine, La La Land está en un nivel superior que el resto de los largometrajes de 2016. ¿Cuántos de ellos usaron una orquesta en vivo para grabar la banda sonora?

La química entre Emma y Ryan salta de la pantalla, solidificada al haber trabajado juntos en tres ocasiones. Se alimentan de los talentos del otro. La belleza de Stone es diferente, tiene porte, encanto, elegancia, además de ser ocurrente y magnética. Por el otro lado, lo apuesto de Gosling es complementado por su capacidad de transmitir incluso cuando no hay diálogo. En cierto momento es posible comparar esta pieza con The Notebook, porque comparten similitudes en cuanto al tiempo que transcurre. Este hecho nos hace sentir todavia más empatía por el personaje de Ryan.

La La Land como película prueba que “puedes tener tu torta y comértela también”, impecable desde todo punto de vista. Cautivante visualmente y a la vez con un mensaje sólido de fondo. Se inspira en éxitos pasados como Singing in the Rain y el dúo de Fred Astaire y Ginger Rogers, sin embargo, es capaz de sostenerse por sí sola. Salimos de sala con reflexiones filosóficas, nos preguntamos qué es el éxito verdaderamente y si vale la pena despues de todo. Un largometraje que es capaz de despertar una reacción tan compleja es más que merecedora de alabanza. Cuando tienes lágrimas, risas, música y glamour, creas el embriagador cóctel que es La La Land, una obra maestra con 5/5.

Vivian Russo

ROOM: a different love story

The dramatic stories that get our attention mimic Romeo and Juliet with impossible lovers, like Titanic or The Notebook. People forget the value in other relationships, Room is there to give new life to mother-child love. Sharing 2015’s common theme of survival, it’s about the strong bond between a parent and her son. Brie Larson and Jacob Tremblay both deliver in their roles, being raw and emotional. Tremblay’s performance is believable and moving, incredible coming from a seven-year-old kid. The movie is somewhat appropriate for all audiences because it’s told through the child’s perspective.

Room is the tale of a young mother, Joy “Ma” Newsome (Brie Larson) and her five-year-old son Jack (Jacob Tremblay), that after living in an enclosed space for years try to adapt to the outside world. Joan Allen plays Nancy, Jack’s grandmother and Joy’s mother, Sean Bridgers is Old Nick, and William H. Macy is Robert Newsome.

It’s masterful when dealing with delicate subjects like abduction and rape. One associates these words with gruesome images. Instead, what we see is something heartfelt and innocent because it’s told from the perspective of the child. It’s very clever to do a movie from this point of view, shielding the actual child actor from the horrors. Brie and Jacob have a wonderful chemistry that can’t be faked, they’re different kind of partners. Every kid needs the right actress to click, no matter how precocious Tremblay is. These actors’ interaction is simply magical. Tremblay could’ve been easily nominated for an Academy Award. Let’s remember that Quavenzhané Wallis’ nomination for Beasts of the Southern Wild in 2012 was not so worthy. The most notable award that Jacob Tremblay got was this years’ Critics Choice Award.

It’s highly likely that Larson will take home the Best Actress award at this year’s Oscars, and well deserved. It’s amazing how Joy managed to be a good mother despite her circumstances, making Jack believe he had a normal childhood. Brie Larson has been this year’s It Girl, like Julianne Moore was last year. It’s also funny how her character’s real name is Joy, when she conveys the opposite of that feeling. Moreover, Jennifer Lawrence is also nominated for playing someone named Joy, with all the differences possible between the movies.

The plot line is a metaphor for letting go. Although in Room there’s a physical extreme impediment, it deals with growing up and family relationships, applicable to everyday life. When you look back after taking a leap of faith, your fears seem silly in retrospective. This universal idea makes the movie so appealing. With its naive treatment it conveys the message effectively.

Lenny Abrahamson is the Irish director behind Room, his first film to rise to international prominence. Emma Donoghue adapts the screenplay from her novel of the same name. Both the crew and cast are rookie nominees for Awards but completely worthy of recognition.

The relationship between parent and child is as beautiful as a couple’s. Room is that much better because it redeems this underrated love that’s equally as powerful. It’s sincere from a child’s perspective, a love story without the ‘impossible’ bang. Room is 5/5.

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Las historias dramáticas que captan nuestra atención imitan a Romeo y Julieta, con los amantes imposibles como Titanic y Diario de una pasión. La gente se olvida del valor en otras relaciones interpersonales, en La habitación se rescata el valor del amor madre-hijo. Comparte el tema universal de 2015 de supervivencia, hablando del fuerte lazo entre un padre y su hijo. Brie Larson y Jacob Tremblay brillan en sus interpretaciones, siendo puros y emotivos. La actuación de Tremblay en particular es muy creíble y conmovedora, increíble al venir de un niño de 7 años. La película se presta para una audiencia universal porque tiene la perspectiva del niño.

La habitación es la historia de una madre joven, Joy “Ma” Newsome (Brie Larson) y su hijo de 5 años Jack (Jacob Tremblay), que luego de vivir en un espacio cerrado por años tratan de adaptarse a vivir en el mundo real. Joan Allen hace de Nancy, la abuela de Jack y madre de Joy, Sean Bridgers es El Viejo Nick, y William H. Macy es Robert Newsome.

Lidia de forma maestra con los temas delicados de secuestro y violación. Uno asocia estas palabras con imágenes gráficas. Por el contrario, lo que vemos es algo sentido e inocente contado desde los ojos del niño. Es muy inteligente narrar la historia desde esta perspectiva, además que protege al mismo actor joven de los horrores. Brie y Jacob tienen una química que no se puede fingir, son otra clase de compañeros. Los niños necesitan del adulto indicado para brillar en la gran pantalla, a pesar de ser tan precoces como Tremblay. La interacción de Larson-Tremblay es simplemente mágica. Jacob tenía que estar nominado a un Oscar, recordemos que otra niña recibió este honor en 2012, Quavenzhané Wallis por Bestias del sur salvaje, sin merecerlo tanto. Lo más notable que alcanzó Jacob Tremblay fue ganar en los Critics Choice de este año.

Es muy probable que Larson gane Mejor Actriz el próximo domingo en los Oscar, y será bien merecido. Es sorprendente que Joy fue una buena madre a pesar de las circunstancias, haciendo que Jack creyera que tenía una infancia normal. Este ha sido el año de Larson, como Julianne Moore el pasado. Es curioso que el nombre verdadero de su personaje es Joy, cuando transmite el opuesto de esta emoción. Más aún, Jennifer Lawrence está nominada también por un personaje llamado Joy, salvando las diferencias diametrales en las películas.

La trama es una metáfora para no aferrarse al pasado. Aunque en La habitación hay un impedimento físico extremo, trata sobre crecer y las relaciones de familia, pudiendo aplicarse a la vida cotidiana. Cuando miras hacia atrás después de tomar un salto a ciegas, tus miedos se ven tontos en retrospectiva. El planteamiento de esta idea universal hace tan llamativa a la película. Con su tratamiento ingenuo transmite el mensaje efectivamente.

Lenny Abrahamson es el director Irlandés detrás de La Habitación, su primer largometraje con relevancia internacional. Emma Donoghue adaptó el guion de su novela del mismo nombre. Todo el equipo son novatos a la hora de nominaciones a premios pero se lo merecen por completo.

La relación entre padre e hijo es tan hermosa como la de una pareja, son facetas insperables de la vida de cualquier persona. La habitación resalta por su calidad al redimir este amor subestimado que es igualmente poderoso. Es sincero porque lo cuenta un niño, una historia de amor sin el gancho de ser “imposible”. La habitación es un 5/5.

Vivian Russo

Boyhood: the slow but constant pace of time

Some films’ historical significance can’t be determined at the time of its premiere, looking back is that historians are able to see the impact in popular culture. Boyhood is likely to be one of those cases. It’s the first film experiment to be shot over the course of 12 years with the same group of actors. A project so special was needed to draw attention to Richard Linklater, who’s been long in the most snubbed list at the Oscars for his unconventional style. In spite of the slow place, the message will be delivered to those willing to listen.

Boyhood follows the coming-of-age of Mason Evans Jr. (Ellar Coltrane), from age 6 to 18, surrounded by his daydreaming mother Olivia (Patricia Arquette), witty older sister Samantha (Lorelei Linklater) and idealistic father Mason Sr. (Ethan Hawke).

At nearly 3 hours long, its’ recommended to be seen split into two parts, to be able to digest its long and complex dialogues. After the first minutes the audience will get used to the constant physical changes indicating another passed year; that is something very cool for a film. It establishes its own language, with references to popular culture to give the audience context about the world in relation to the characters at a certain point in their lives. It is also consistent, tying up loose ends and constantly using self-references, a round flick.

Linklater has done something similar in the past, with the romantic trilogy Before Sunrise, Before Sunset, and Before Midnight, also starring Ethan Hawke. This is his most ambitious project to date, but it was worth it. There was no make up needed for each stage, the changes were genuine. It’s likely the actors changed themselves in the process, especially the young kids.

The script is the soul of this movie, exploring common human fears about growing up and growing old from different perspectives. Out of all the insightful dialogues, the highlight was where Hawke talks about The Beatles, his character was likable at all times, while still being the underdog in the eyes of his kids. His character is the opposite to the mother, played by Arquette, who struggled to find her place as a woman and single mother, making a few mistakes along the way. Contrary to what critics believe, her performance wasn’t outstanding and it left me wondering why all the buzz; if anybody, Hawke should be the one getting worthy recognition. Everything makes it seem like Arquette will win once more at the Academy Awards, much to my dismay.

Linklater has a different aesthetic, not going with typically attractive actors and achieving his goal in time. The message is taken out of the characters by a long process that is catharsis, like art imitating life. That is reflected in his shots that are not as polished as you might expect, using the steadycam a lot. The tools he uses are the audiovisual registry that this generation has naturally, where characters don’t have to talk much all the time, the setting plays a key role. Linklater being American, born and raised, differs greatly in his storytelling, resembling more the European style.

As groundbreaking as it may be, I don’t think it deserves to be named Best Picture, but the lobby for the ceremony is strong. It wouldn’t be the first time the Academy chooses to give an award out of trajectory rather than a specific accomplishment. So far, the best contender in the most important category is American Sniper, Boyhood is close behind with a 4/5.

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El significado histórico de algunas películas no puede ser determinado en el momento de su estreno, en retrospectiva es que los historiadores pueden analizar el impacto en la cultura popular. Es probable que Momentos de una vida sea uno de esos casos. Es el primer experimento cinematográfico en ser filmado a lo largo de 12 años con el mismo grupo de actores. Un proyecto tan especial era lo que hacía falta para que la Academia diera reconocimiento a uno de los cineastas más ignorados en su historia, Richard Linklater, quien siempre se ha mantenido al margen por su estilo poco convencional. A pesar del ritmo lento, el mensaje le llegará a aquellos que estén dispuestos a escuchar.

Momentos de una vida es el crecimiento de Mason Evans Jr. (Ellar Coltrane), desde los 6 hasta los 18 años, rodeado de su soñadora madre Olivia (Patricia Arquette), hermana mayor ocurrente Samantha (Lorelei Linklater) y padre idealista Mason Sr. (Ethan Hawke).

Con casi 3 horas de duración, se recomienda verla en dos sentadas, para poder digerir los diálogos largos y complejos. Después de los primeros minutos la audiencia se acostumbrará a los cambios físicos constantes en los personajes para indicar el paso del tiempo, un guiño muy agradable para una película. Construye su propio lenguaje, con referencias a la cultura popular para contextualizar al mundo en cierto momento relacionándolo con el personaje y su vida. Es consistente porque ata cabos y se cita a sí misma, es una película redonda.

Linklater ha emprendido una tarea similar en el pasado, con la trilogía romántica, Antes del Amanecer, Antes del Atardecer y Antes de la Medianoche, protagonizadas también por Ethan Hawke. Este es su proyecto más ambicioso hasta la fecha, pero valió la pena. El maquillaje estaba demás, los cambios eran genuinos. Es probable que los mismos actores hayan cambiado en el proceso, especialmente los niños.

El guion es el corazón de la película, explorando miedos humanos comunes sobre madurar y envejecer desde diferentes puntos de vista. De todos los diálogos reflexivos, el mejor fue cuando Hawke habla de los Beatles, su personaje siempre cayó simpático, siendo el desvalido a los ojos de sus hijos. Su personaje es el opuesto al de Arquette, quien lucha por encontrar su lugar como mujer y madre soltera, cometiendo algunos errores en el camino. Contrario a los críticos, la actuación de ella no fue sobresaliente, y deja pensando por qué tanto alboroto. Si alguien debía ser reconocido por su interpretación era Hawke, que sí la merece. Todo parece apuntar que Patricia será la que gane en los Oscar, aunque a más de uno no le guste.

La estética de Linklater es diferente, no escoge actores con atractivo típico y logra su cometido con el tiempo. El mensaje sale de la boca de los persoajes con un largo proceso catártico, como el arte imitando la vida. Esto se refleja en las tomas que no están tan pulidas y usa bastante el steadycam. Sus herramientas están tatuadas en la generación audiovisual por naturaleza, donde los personajes no tienen que hablar todo el tiempo, el ambiente es crucial. A pesar de haber nacido y criado en EEUU, Linklater difiere bastante en la forma de abordar la historia, pareciéndose más al estilo europeo.

Por más que rompa esquemas, Momentos de una vida no debería ser la Mejor Película, pero el lobby para esta ceremonia está bastante fuerte. No sería la primera vez que la Academia da un reconocimiento a la trayectoria en vez de a un logro concreto. Hasta ahora, la mejor de las nominadas en la categoría más importante es Francotirador, Momentos de una vida está cerca con 4/5.

Vivian Russo

 

X-Men: Days of Future Past: an all-inclusive sequel

Since the early 2000s Hollywood’s been making X-Men movies, starting with the three main ones, from the Wolverine universe and the epic prequel First Class. Days of Future Past is as good of a movie as any other, don’t let the genre fool you. Even though people usually label action flicks as shallow, this one is anything but. The best film of the X-Men universe is First Class, but Days of Future Past is very close.

Days of Future Past is the sequel to X-Men: The Last Stand (2006) and X-Men: First Class (2011), as it combines both times. It starts in a dystopic future where Sentinels, specially designed robots, have destroyed earth with the excuse of mutant treat. The few that remain are resisting as much as they can, until Professor X (Patrick Stewart) and Magneto (Ian McKellan) decide to send Wolverine (Hugh Jackman) back to 1973, where something key happened that must be fixed. In the past, Logan must reunite old friends and current enemies, Charles Xavier (James McAvoy) and Erik Lensherr (Michael Fassbender). Along the way we meet familiar faces, like Mystique (Jennifer Lawrence) and new ones like Dr. Bolivar Trask (Peter Dinklage).

The complexity of the characters are one of the reasons why this saga is successful, both with the fandom and box office. Professor X exemplifies good and hope, while Magneto is the antagonist but much more complex to just label him as the bad guy. Mystique is right in between those two. The chemistry between the actors in something crucial as well, both Fassbender & McAvoy and Stewart & McKellan have it.

I’m glad that Bryan Singer returned to the universe he helped create in the first place, the quality is much better than the first three films because it has First Class right before it.

First Class was another level of epicness, the friendship between the main characters and the genesis of the whole comic was incredibly done, with a marvelous script. It had a litte for everyone, action, drama and political elements. That’s the one that’s likely to draw a different kind of audience to this franchise. It was love at first sight for me. I think it will remain the best one for a while. It was very nice to see the same actors back and that the new ones mixed well with Jackman.

The entire cast is beyond mind-blowing. It includes multiple races, origins and powers; lots of diversity with people like Dinklage from Game of Thrones, Academy-Award-winners Lawrence and Berry and the versatile Jackman. Congratulations to Bryan Singer for assembling a remarkable group of people. I would appreciate if the Academy recognized this kind of work more often, not just with Lord of The Rings once every blue moon. Woody Allen and Quentin Tarantino are not the only ones worthy to be nominated.

Needless to say, the script was on-point to complete a round movie. The only downside is that it won’t be as enjoyable if you haven’t seen the rest of the films. My criticism is a blurry end, where there’s not a lot of conclusion. But, the filmmakers are businessmen after all and they leave you longing for more so you’ll wait another couple of years for the latest installment. The time-travel issue is handled correctly, confusing the audience as little as possible.

If First Class 5/5 mastered the retro and political element perfectly, Days of Future past is a solid 4.5/5.

 

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Desde principios de los 2000, Hollywood ha estado haciendo películas de X-Men, comenzando con las tres principales, las del universo de Wolverine y la épica Primera Generación. Días del Futuro Pasado es tan buena película como cualquier otra, no dejen que el género los engañe. A pesar que la gente etiqueta a las películas de acción como superficiales, ésta es cualquier cosa menos eso. La mejor de este universo es Primera Generación, pero ésta está bastante cerca.

Días del Futuro Pasado es la secuela a La Última Batalla (2006) y Primera Generación (2011), combinando ambos tiempos. Empieza en un futuro distópico donde los Centinelas, robots especialmente diseñados, destruyeron la tierra bajo la excusa de una amenaza mutante. Los pocos que quedan tratan de resistir lo máximo posible, hasta que Profesor X (Patrick Stewart) y Magneto (Ian McKellan) deciden mandar a Wolverine (Hugh Jackman) a 1973 para que arregle un hecho clave. En el pasado, Logan debe unir nuevamente a los viejos amigos y ahora enemigos Charles Xavier (James McAvoy) y Erik Lensherr (Michael Fassbender). En el camino nos tropezamos con caras conocidas como Mystique (Jennifer Lawrence) y nuevas como el Dr. Bolivar Trask (Peter Dinklage).

La complejidad de los personajes es una de las razones por las que la saga es exitosa, tanto con los fanáticos como en la taquilla. El profesor ejemplifica el bien y la esperanza, mientras que Magneto es un antagonista demasiado complejo como para catalogarlo como malo. Mystique está en el medio de ellos. La química de los actores es muy importante y ambas parejas de actores la tienen, los jóvenes y los mayores.

Estoy contenta que Bryan Singer regresó al universo que él mismo creó. La calidad de está película es superior a las tres primeras porque Primera Generación está justo en el medio.

Primera Generación fue épica en otro nivel, la amistad de los personajes principal y la génesis del cómic estuvo muy bien hecha, con un libreto maravilloso. Tenía un poco para todos los gustos, drama, acción y tintes políticos. Esa es la más probable que atraiga a un público diferente. Para mí fue amor a primera vista. Creo que se mantendrá como la mejor por un tiempo. Es agradable ver a los viejos actores de vuelta y que los nuevos congenian bien con Jackman.

El elenco es fantástico. Incluye diferentes razas, orígenes y hasta poderes. Mucha diversidad con Dinklage de Game of Thrones, las ganadoras de la Academia Lawrence y Berry y el versátil Jackman. Felicidades a Singer por haber reunido a un grupo tan peculiarmente talentoso. Apreciaría mucho que la Academia reconociera más a menudo este tipo de películas, no una vez cada eclipse solar con El Señor de los Anillos. Woody Allen y Quentin Tarantino no son los único que merecen estar nominados por la codiciada estatuilla.

Sobra decir que el guion estaba muy bien orientado para completar una película redonda. Lo malo es que no disfrutarán tanto si no han visto las películas anteriores. Mi crítica es un final inconcluso, donde las líneas se desdibujan. Pero los cineastas son empresarios después de todo y deben dejarte con ganas de más para que aguantes otro par de años y veas la siguiente entrega. La cuestión del viaje en el tiempo se hizo correctamente, manteniendo el nivel de confusión al mínimo necesario.

Si Primera Generación dominó perfectamente el elemento de época con la política, Días del Futuro Pasado es un sólido 4.5/5.

Vivian Russo

“A film is – or should be – more like music than like fiction. It should be a progression of moods and feelings. The theme, what’s behind the emotion, the meaning, all that comes later.”

Stanley Kubrick